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Empezó un nuevo ciclo de “Cine en cárceles” promovido entre Justicia y el INCAA

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Con la proyección de “Hijos nuestros”, largometraje de Nicolás Suárez y Juan Fernández Gebauer, comenzó en alcaidías de las localidades bonaerenses de San Martín, Avellaneda, Lomas de Zamora y José C. Paz una nueva edición del ciclo de “Cine en cárceles” destinado a personas privadas de su libertad.

El espacio es fruto de un convenio entre el Ministro de Justicia y Derechos Humanos, Julio Alak, y el presidente del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), Luis Puenzo, informaron los organismos.

Tras la proyección del viernes, Alak y Puenzo realizaron una reunión virtual acompañados por el subsecretario de Políticas de Inclusión del Ministerio, José González Hueso, el vicepresidente del INCAA, Nicolás Batlle, en donde los internos pudieron participar del intercambio.

El ciclo que permite que personas privadas de su libertad accedan a bienes culturales, se realiza en el marco de las actividades de verano destinadas a las alcaidías y tendrá como eje la proyección de películas nacionales de diversos géneros y además, propiciará el encuentro con cineastas y elenco de cada filme proyectado.

“Cine en Cárceles” llegará a partir de febrero a las alcaidías La Plata II, La Plata III, Roberto Pettinato y Campana y en su agenda incluye los títulos “Todo el año es navidad”, de Néstor Frenkel; “Las Vegas”, de Juan Villegas; “No sabés con quién estás hablando”, de Demian Rugna; “Badur hogar”, de Rodrigo Moscoso; “Yo sé lo que envenena”, de Federico Sosa; y ¨Pájaros volando”, de Néstor Montalbano.

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Drexler y Calamaro en videoclip doble de Tangana, rey de la música urbana española

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Los rioplatenses Andrés Calamaro y Jorge Drexler son protagonistas desde el lunes de un boom en YouTube al participar del video doble del rey español de la música urbana C Tangana, que unificó en un mediometraje las canciones “Nominao” y “Hong Kong”.

Ambas canciones forman parte del esperado nuevo disco de Tangana, “El madrileño”, y están caracterizadas por un fuerte minimalismo instrumental. “Nominao” tiene una letra que habla del miedo al fracaso y “Hong Kong” sorprende por su final, muy rockero, además de que tiene un guiño a “Mil horas”, el clásico de los Abuelos de la Nada.

Dos canciones y dos colaboraciones, que nacieron por separado y ahora se juntan en un par de videoclips que en realidad son como una miniserie de dos capítulos: en ellas el protagonista viaja al final de la noche junto a Drexler, Calamaro y algunos amigos, en una serie de secuencias al estilo Jim Jarmush.

Los videos triangulan Montevideo, Buenos Aires y Madrid, porque donde acaba el clip de ‘Nominao’ con Drexler, empieza “Hong Kong” con Calamaro. Las secuencias con el uruguayo muestran horarios elásticos, iluminación de after, compadreo de altas horas, intercambios musicales sin normas todo ello rodado en el Palermo, un bar rockero de Madrid, mientras que El Salmón se acompaña con madrugadas químicas, versos y palabras casuales en un montacargas, charlas empapadas de alcohol, rock en terrazas.

De los clips toman parte, además, las actrices españoles Paz de la Huerta y Julia de Castro.

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Luis Brandoni recibió el alta tras seis días de internación

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El actor Luis Brandoni, de 80 años, quien el martes pasado fue internado con coronavirus, recibió este lunes por la tarde el alta médica y seguirá la recuperación en su domicilio a la espera de volver al escenario.

“Continuando el plan médico previsto desde el sábado, ahora Beto tuvo su alta sanatorial y ya se encuentra en camino a su casa para completar su recuperación, con mucha ansiedad por regresar lo más pronto posible a su trabajo en el teatro”, contó el empresario Carlos Rottemberg sobre el cuadro de Brandoni.

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Luis Brandoni está internado con coronavirus

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El actor Luis Brandoni dio positivo de coronavirus y se encuentra en observación médica, según informaron desde la cuenta de Twitter del Teatro Multitabarís, propiedad de Carlos Rotemberg, y donde se encontraba con funciones.

“Confirmado el resultado positivo de Luis Brandoni por Covid-19. Se suspende momentáneamente la temporada teatral de ‘El acompañamiento’ hasta nuevo aviso”, indicó el comunicado.

Más temprano, la misma cuenta había posteado que el intérprete de 80 años “se encuentra en observación médica a los efectos de controlar algunos síntomas de malestar físico, aún en estudio”.

Según dijo Rottemberg a diferentes medios, Brandoni “tenía mucho cansancio, pero según el control realizado no tiene compromiso pulmonar”.

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Espectáculo

Los Espíritus retoma los shows presenciales en el Hipódromo y en Córdoba

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Maxi Prietto, líder del grupo Los Espíritus que el próximo sábado ofrecerá un show presencial en el Hipódromo de Palermo, consideró que “Argentina es un país bastante rockero y el público de rock está deseoso de que haya nuevos proyectos musicales”.

Y en relación al aporte del cuarteto a ese espíritu y a la escena, Prietto destacó a Télam que “con Los Espíritus logramos un sonido que casi tiene vida propia. Yo llevo una canción y el grupo vuela solo”.

Actualmente el autor, guitarrista y cantante comparte banda con Miguel Mactas en guitarra, Martín Ferbat en bajo, Pipe Correa en batería, congas, bongó, chekere y timbales, formación que para el 13 de marzo anuncia otro concierto presencial, en este caso en la Plaza de la Música en la capital cordobesa.

La alineación de Los Espíritus se reconfiguró dos años atrás después de que las denuncias de abuso contra Prietto generaran las salidas de Santiago Moraes, que era la otra mitad creativa del combo y del percusionista invitado Francisco Paz. “Estuve pensando todos estos días de qué manera expresarme porque siento que la situación es delicada y compleja de abordar. Me resulta necesario, antes de decir cualquier otra cosa, pedir perdón. Perdón”.

Aunque admitió que se veía “reflejado en parte de los testimonios”, mencionó que eran sobre situaciones ocurridas en 2008. Entonces “no era el mismo, ni yo, ni nadie”, escribió, antes de decir que le gusta “mirar para adelante”. “Para eso es necesario pedir perdón. Estoy a disposición para reparar si es necesario. Perdón. Una vez más”.

En agosto de ese año la agrupación lanzó su cuarto disco “Caldero” (tras “Los Espíritus”, de 2013; “Gratitud”, de 2015; y “Agua ardiente”, de 2017) y durante 2020 editó tres EP de “Sancocho estéreo”, que tuvo al percusionista colombiano y padre del baterista de la banda, Saúl Correa, oficiando de locutor y la participación de artistas como Daniel Melingo, Jinmy Vitte y la ecuatoriana Huaira, además del tuareg Bombino y sus músicos.

“A Melingo lo admiro desde la época de los “Tangos Bajos” y cuando él dijo que conocía Los Espíritus y que le gustaba, nos pusimos en contacto y hasta el día de hoy seguimos mandándonos mensajes, hablando de música y compartiendo ideas de canciones y proyectos.””

Maxi Prietto

Pero, además, la cabeza de la banda publicó singles sueltos con su proyecto paralelo Playa Nocturna y promete para fin del 2021 un disco completo de su primera experiencia grupal Prietto Viaja al Cosmos con Mariano.

Télam: ¿Cómo nació “Sancocho estéreo” y con qué impronta lo encararon?

Maxi Prietto: En el primer capítulo hicimos algunas versiones, que fue en la primera etapa pandémica y ya cuando pudimos empezar a circular fuimos al estudio y nos dedicamos más al sonido tradicional de Los Espíritus tocado en vivo con bajo, batería, percusiones y mucho más rockero. Versionamos a Bob Dylan (con “Todo bien”, una adaptación al castellano de “All It´s Good”), hicimos una versión con un sonido más afro de “Aunque nos vayamos” que está en el primer disco nuestro, Pero como extrañábamos mucho las giras y tuvimos que cancelar bastantes shows, pedimos audios de WhatsApp e hicimos muchos sampleos de amigos de México, Colombia y Ecuador para tener colaboraciones y las remezclamos. Entre ellas la de Mario Kaona.

T: ¿Qué tipo de percusión y sobre qué ritmos toca Mario Kaona?

MP: Es salsero, netamente salsero y tiene su orquesta de salsa. Es amigo de Pipe, nuestro guitarrista de toda la vida y cada vez que vamos a Medellín o Bogotá toca algunos temas. La última vez que fuimos directamente tocó en todo el show. Teníamos algunas grabaciones con él, que una ya había quedado en “Cantero” y ahora quedó en “Un limón”.

T: ¿Cómo se dieron otros de los aportes más llamativos?

MP: En “La Antillana” tenemos grabaciones que habíamos hecho con Bombino cuando estuvo de visita en Buenos Aires y hay voces y flautas de Huaira, una cantante ecuatoriana, que también había cantado con nosotros en “Vamos a la luna” la última vez que estuvimos en Ecuador. Así que tratamos de hacer un universo de gira sin salir del estudio.

T: Las voces que se escuchan en presentación de temas o contando historias, ¿de quién son?

MP: En el primer capítulo aparece Saúl Correa, que es el papá del Pipe y que es el que nos cocinó el gran sancocho histórico de la gira. Empezó como un ida y vuelta de charlas en las que nos mandaba estos audios y se armó todo este concepto un poco en broma y un poco recordando la gira.

T: ¿Qué es el sancocho?

MP: Es una comida típica y popular que se hace en Colombia y en otros países. Es un guiso que lleva todo tipo de verduras, carnes y es una excusa para juntarse a comer y a compartir. Como recuerdo emotivo también refiere a un momento especial cuando estábamos conociendo a la familia de Pipe y nos agasajaron con ese plato en Medellín.

T: ¿Cómo se dio la participación de Daniel Melingo en la grabación?

MP: A Melingo lo admiro desde la época de los “Tangos Bajos” y cuando él dijo que conocía Los Espíritus y que le gustaba, nos pusimos en contacto y hasta el día de hoy seguimos mandándonos mensajes, hablando de música y compartiendo ideas de canciones y proyectos. No tardamos en decir de hacer algo juntos y justo estábamos grabando “Buscando la luz” y se sumó a ponerle las voces. Fue algo que salió casi sin pensarlo, fue muy natural, fluyó y resultó muy divertido.

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Espectáculo

Diez películas inspiradas en la obra de Cortázar

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La cifra impar

Manuel Antín / 1962 / Argentina

 Ópera prima del director argentino referente de la generación del 60, que dedicó tres de sus primeras cuatro películas a la obra de Cortázar. “La cifra impar” es una adaptación del cuento “Cartas de mamá”, incluido en “Las armas secretas”, publicado en 1959.

La historia transcurre entre la capital francesa y la argentina. En París, la pareja de Luis (Lautaro Murúa) y Laura (María Rosa Gallo) convive con el perturbador recuerdo de Nico, fallecido hermano de Luis y que tiempo atrás fuera pareja de Laura. Desde Buenos Aires llegan con frecuencia las cartas de la anciana madre de Luis (Milagros de la Vega), hasta que en una de ellas menciona a Nico y su deseo de viajar a París.

Al cuento original, el guión de Manuel Antín y Antonio Ripoll incorpora una profunda lectura psicológica de los personajes que en su evolución roza lo fantástico, impulsada por la culpa ante el desafortunado destino de Nico, y una saludable variedad de recursos cinematográficos. Gran parte de la película fue rodada en el barrio latino de París, ciudad en la que vivió Cortázar. Pero el primer contacto entre el autor y la película se dio poco después en Buenos Aires durante una proyección previa al estreno. Suele considerarse a La cifra impar como la mejor de las adaptaciones cinematográficas de la obra de Cortázar, aunque su prestigio se consolidó con posterioridad. Al rechazo de la crítica de la época, que tildaba a la película de “afrancesada” y carente de argentinidad, la respuesta más positiva vino del propio Cortázar, quien colaboró con Antín en las siguientes películas. Ver ficha.

Cortázar
Circe

Manuel Antín / 1964 / Argentina.

En 1951 Julio Cortázar publicó “Bestiario”, libro de cuentos al cual pertenece “Circe”, relato que rescata a la hechicera homérica que por única vez se enamora de Odiseo.

Escritor y director dieron forma al guion a partir del intercambio de cartas y de cintas, previo encuentro en el Festival de Cannes. Parte importante de esta correspondencia fue publicada recientemente en el Tomo I de “Cartas de Cortázar” por Editorial Alfaguara.

Así como en el cuento, en la película el personaje de Circe se llama Delia (Graciela Borges). Se trata de una joven que carga con el peso de haber visto morir a sus dos novios, uno por un síncope y otro por un suicidio. Ahora ha aparecido un tercero (Alberto Argibay), quien intenta desentrañar las misteriosas conductas de Delia y liberarla de su predestinación.

Aquí es donde aparecen las propuestas visuales propias de una adaptación cinematográfica: las costumbres que el personaje practica en el cuento son reemplazadas por elementos que forman parte de la puesta, como rejas, espejos y persianas, objetos que simbolizan el encierro interior de Delia. Al igual que en “La cifra impar”, la muerte de los amores pasados marca el pulso de los actos del presente y nuevamente es el perfil psicológico del personaje el motor de la película. Ver ficha.

“La cifra impar”
El perseguidor

Osias Wilenski / 1965 / Argentina.

Para la misma época en que Antín realizaba sus películas, otro director argentino, Osias Wilenski, realizaba su ópera prima “El perseguidor”, versión del cuento inspirado en el saxofonista Charlie Parker y que forma parte de “Las armas secretas” (1959).

Narra el proceso autodestructivo de un músico de jazz llamado Johnny, entregado a las drogas, el alcohol y al destrozo de sus relaciones afectivas. El personaje principal fue interpretado por Sergio Renán.

“El perseguidor” tiene sus defectos: es una película raramente elogiada y cuya persistencia se debe más que nada al cuento de Cortázar. El guión se entorpece por la inserción de frases contundentes (manchones de la pluma del guionista Ulises Petit de Murat, sobreviviente del cine gauchesco argentino).

Entre sus virtudes está la creación de ambientes sombríos, desgastados, escenarios que bien pueden hallarse en una ciudad como Buenos Aires y es por eso que, con algo de distancia, este filme vale como un buen ejemplo de las búsquedas estéticas del cine argentino de los 60. Poco después de su estreno, la película fue secuestrada por la justicia debido al reclamo del padre Zulma Faiad, quien había hecho un desnudo siendo menor de edad.

Pero lo más sobresaliente tiene que ver con la banda sonora. Al momento de dar su opinión, Cortázar solamente se mostró satisfecho con la música compuesta por Rubén Barbieri y ejecutada por Leandro “El Gato” Barbieri. El asunto es que también hubo un prolongado conflicto con el pago de los derechos de autor por lo que Cortázar nunca simpatizó con la película de Wilenski. Ver ficha.

“Circe”
Intimidad de los parques

Manuel Antín /1965/ Argentina-Perú.

Julio Cortázar no estaba muy convencido de realizar la que fue finalmente la última película de Antín en torno a su obra. Se trata de una adaptación en simultáneo de “El ídolo de las Cícladas” y “Continuidad de los parques”, cuentos que formaban parte de “Final de juego” (1956).

Fue rodada en Lima, Cuzco y las ruinas del Machu Pichu. Precisamente, uno de los aspectos que no agradaban a Cortázar era el escenario elegido, en vista de que sus cuentos hacían referencia a la Antigua Grecia. En palabras de Antín: “Contra la voluntad de Cortázar adapté el mármol a la piedra. Me pareció que Machu Pichu era la Grecia de Latinoamérica”.

La historia plantea un triángulo amoroso entre Teresa (Dora Baret), su marido Hector (Paco Rabal) y su ex amante Mario (Ricardo Blume), con quien la mujer había conocido las ruinas de Machu Pichu durante un viaje de estudios, experiencia que desembocó en el hallazgo de una estatuilla que influyó en las conductas de Mario. Los roles entre los personajes quedarán establecidos: Mario representa lo espiritual, mientras que el aspecto más terrenal corresponde Héctor y Teresa es el nexo entre estos dos mundos.

Antín siempre reconoció que el hermetismo de su propuesta alejó a Intimidad de los parques del público. Fue, de hecho, la menos vista de sus tres películas sobre Cortázar. Ver ficha.

“El perseguidor”
Blow up

Michelangelo Antonioni / 1966 / Italia-Gran Bretaña.

La más conocida de las adaptaciones. El director italiano ya gozaba de una alta reputación en el panorama cinematográfico europeo y “Blow Up” fue su primera experiencia fuera de su país, rodada pocos años después de la publicación de “Rayuela”.

Se trata de una adaptación de “Las babas del diablo”, correspondiente al libro “Las armas secretas”. Es la historia la de un fotógrafo de modas (David Hemmings) que al ampliar unas fotos descubre las pistas de un asesinato y se obsesiona con el hecho, a tal punto de aislarse de su vida cotidiana en su afán de develar el misterio. Este hallazgo en blanco y negro se contrapone a un mundo colorido, las modas juveniles y una cultura pop de los sesenta, si se quiere superficial, pero real al fin.

Es la búsqueda de una realidad que trascienda lo que se ve a primera vista lo que vincula directamente a “Blow Up” con el cuento, aunque Cortázar aclaró que nunca encontró en ella una conexión precisa.

Una colorida anécdota contada por Cortázar da cuenta de ello: “Italo Calvino, que es amigo mío, le escribió una vez un libro a Antonioni. Cuando llegó el momento de filmarlo, Italo descubrió que lo único suyo que había quedado era el tucán. Después supo por Mónica Vitti que le gustaba mucho la idea del tucán.” Ver ficha.

“Intimidad de los parques”
Weekend

Jean-Luc Godard / 1967 / Francia.

No se trata propiamente de una adaptación sino de una cita, aunque bastante extensa y con cierto peso dentro de la historia.

Aunque no exista constancia de intercambio alguno entre Cortázar y Godard, se da por sentado que el cuento al que hace alusión el inicio de la película es “La autopista del Sur”, publicado un año antes, relato que tendrá una adaptación más literal algunos años después con “Il grande atasco”, de Luigi Comencini.

Todo arranca con un idílico paseo al campo de un grupo de burgueses que prontamente se transforma en una sucesión de situaciones desagradables, empezando por un descomunal embotellamiento en la ruta provocado por un accidente fatal. Es esta famosa escena realizada mediante un extenso travelling la que hace referencia a “La autopista del sur”.

Claro que en su desarrollo el cuento de Cortázar ofrece mucho más, a medida que el embotellamiento se prolongue y surja una miniatura de la sociedad moderna. Algo de esto se insinúa en “Weekend”, porque entre bocinazos e insultos, algunos ya han empezado a entretenerse al borde de la carretera. Ver ficha.

“Blow up”
El gran embotellamiento

Luigi Comencini / 1979 / Italia.

Es la adaptación casi literal de “La autopista del sur”, el mismo que fuera abordado de manera parcial por Godard. En ninguno de los dos casos aparece Cortázar acreditado en los títulos de presentación.

Se trató de una película orientada claramente al público europeo en general, un tipo de producción muy frecuente en los 60 y 70 que intentaba contrarrestar el dominio del cine angloparlante. De allí que el reparto incluyera a figuras de varios países, empezando por los italianos Alberto Sordi, Marcello Mastroianni y Ugo Tognazzi, los españoles Fernando Rey, Angela Molina y José Sacristán y los franceses Gerard Depardieu y Annie Girardot.

La cantidad de nombres con que se presentó la película (“L ́Ingorgo”, “Una historia impossible”, “Il grande atasco”), aún en la misma Italia, responde a esa premisa.

La historia da cuenta de un gigantesco embotellamiento en la ruta que conduce a Roma. La prolongación del mismo irá sometiendo a los personajes a diversas situaciones hasta resquebrajar los pilares de la conducta humana. Habrá una pareja que se separa, un hombre que muere por falta de asistencia médica y una violación, secuencia particularmente desagradable debido a la indiferencia de los demás personajes y que es la única que se aparta del tono de comedia que presenta la película.

La gran diferencia con el cuento original está en la elección del foco de atención. Mientras Cortázar se centra en las acciones, la película lo hará en los personajes. Cabe recordar, además, que en el cuento las personas son identificadas por el modelo de sus automóviles. Ver ficha.

“Week-end”
Jogo subterrâneo

Roberto Gervitz /2005 / Brasil.

El cuento “Manuscrito encontrado en un bolsillo” forma parte del libro “Octaedro” (1974). En primera persona, cuenta la historia de un hombre que practica un juego que consiste en establecer una ruta dentro de la red del metro de París. Si durante el trayecto encuentra una mujer que coincide con este trazado, él se otorga el derecho de abordarla.

La cinta brasileña toma esta idea como punto de partida, y la aprovecha para redondear una buena ficción acerca de la soledad en las grandes ciudades. La red de subterráneos parisina es reemplazada por el menos glamoroso metro de San Pablo. Dato no menor, se trata de una ciudad realmente multitudinaria y, a diferencia del cuento de original, gran parte de la película se desarrollará sobre la superficie.

El personaje principal es un pianista, Martín, cuyas probabilidades de éxito en el juego son remotas: o la ruta elegida por la mujer no coincide o es rechazado por temor. Aún así, Martín tendrá sus oportunidades, primero la madre de una niña autista y luego una escritora ciega. Finalmente una mujer despierta su interés y él la seguirá transgrediendo las reglas del juego. La elegida resulta ser una prostituta que intenta escapar de sus explotadores.

A esta altura, poco y nada queda del cuento de Cortázar a excepción del nombre de unos de sus personajes: Ana. Ver ficha.

“Le grand embouteillage”
Mentiras piadosas

Diego Sabanés / 2008 / Argentina.

Entre las adaptaciones más recientes, sobresale esta película realizada por el debutante Diego Sabanés con un magnífico elenco en el que figuran muchos nombres más conocidos por su labor teatral, como Marilú Marini, Claudio Tolcachir y Rubén Szuchmacher.

Se trata de una adaptación del cuento “La salud de los enfermos”, en la que también se reconocen varios elementos de otros textos de Cortázar pertenecientes al libro “Todos los fuegos el fuego” (1966).

La historia transcurre en la intimidad de una familia burguesa. Pablo ha partido a París para probar suerte como músico. Pasa el tiempo y no hay noticias de él, lo cual comienza a preocupar a su madre. Temiendo por su salud, sus otros dos hijos escriben falsas cartas y envían regalos. El plan involucra a otros miembros de la familia y a la novia de Pablo, que es instada por Mamá a apresurar los preparativos de la boda para forzar el regreso de su novio. El montaje de una gran mentira tiene sus costos, pronto aparecerán las deudas y el desmantelamiento de los bienes familiares. Y lo más importante, o lo más cortazariano, es que todos los involucrados irán perfeccionando sus roles hasta acomodarse a esta construcción ficticia.

“Mentiras piadosas” es una película recomendable en todo sentido. Ofrece una audaz apropiación de la literatura de Cortázar, un guion depurado en base a inteligencia y creatividad, todas las interpretaciones son de alto nivel y la ambientación que supera por mucho a otras películas más costosas del cine argentino. Debe considerarse que la historia está situada en los años 50 y que se trató de una producción de bajo presupuesto. Ver ficha.

“Jogo subterraneo”
Diario para un cuento

Jana Bokova / 2008 / Argentina-España.

En 1983 Julio Cortázar publicó su último libro, “Deshoras”, del que forma parte “Diario para un cuento”. Es un complejo relato en el que el autor recupera vivencias algo dispersas de los primeros años 50, época en la que siendo muy joven vivía en Buenos Aires, con el recuerdo de un amor postergado en un primer plano.

Quien haya leído este cuento difícilmente pueda imaginar una adaptación cinematográfica. Pero se hizo y muy bien.

El derrotero de la directora checa Jana Bokova merece ser citado. Durante la Primavera de Praga (1968) dejó su país, vivió y se formó en Londres y París y a mediados de los ochenta llegó a la Argentina para realizar una serie de excelentes documentales para la BBC de Londres sobre el tango y el folclore argentino.

Su primer largometraje en nuestro país fue acaso el único en tener a Cortázar como personaje principal, aunque éste se presente con el nombre de Elías, interpretado por Germán Palacios.

Las señas particulares y los gustos de Cortázar son inconfundibles, algunos tomados textualmente del cuento y otros directamente del mundo cortazariano. Así aparece su pasión por el jazz, por Carlos Gardel, por los poetas ingleses, su admiración por Bioy, la época en la que trabajaba como traductor y el futuro escritor que observa a un chico jugando a la rayuela y que finalmente marcha a París.

Elías/Julio Cortázar pasa buena parte de sus horas en un burdel. Allí conoce a varios personajes, entre ellas a las prostitutas que le piden la traducción de las cartas de sus novios extranjeros. Con una de ellas tendrá un romance, la Anabel del cuento original. También habrá un romance con una mujer burguesa y un asesinato que lo salpicará hasta que decida dejar la Argentina, justo al momento de la muerte de Eva Perón.

Puede ser que la película esté muy al borde del estereotipo porteño (puerto, prostitutas, salones, tango en demasía, Eva Perón), pero seguramente la directora checa siente que ella tiene algo en común con el Cortázar de aquellos años, y es la sensibilidad del recién llegado. En el tema de las adaptaciones, lo mínimo que se le puede pedir a un cineasta es que se apropie de la obra original, que la incorpore a su universo. Y para reforzar esta idea, el joven Julio es tratado por muchos lugareños como “un extranjero”. Y en gran parte lo era. Ver ficha.

“Mentiras piadosas”

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