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Tom Quintans: "Si escuchamos siempre lo mismo nos morimos de aburrimiento"

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Tom Quintans, líder del grupo rockero Bestia Bebé, con el que lanzará en octubre su nuevo trabajo, se manifestó a favor de que el hip hop y otros estilos tomen un lugar dentro de la música argentina “porque es bueno que salgan cosas nuevas; si escuchamos siempre lo mismo nos morimos de aburrimiento”.

La banda que tiene su base en el barrio porteño de Boedo y que integra el catálogo del sello platense Laptra -que también cuenta con grupos como Él Mató a un Policía Motorizado y 107 Faunos-, lanzará a mediados del mes que viene su cuarto disco de estudio, “Gracias por nada”.

El nuevo trabajo mantiene la electricidad de los discos anteriores, aunque a menor velocidad, y Quintans vuelve a deleitar con sus viñetas urbanas, bien de barrios porteños. Incluye la participación de Santiago Motorizado en la melancólica “Qué clase de ciudad es esta” y la ex Ligas Menores María Zamtlejfer, en otra de las nuevas composiciones.

Quintans charló con Télam y adelantó parte del nuevo disco:

Télam: ¿Tenían listo el disco antes de la cuarentena?

Tom Quintans: Ya estaba. Lo grabamos en octubre o noviembre, más o menos, lo mezclamos en el verano y cuando salió el primer adelanto en febrero ya estaba.

T: ¿Qué querían contar y qué sonoridad estaban buscando? Se nota una vuelta a un rock más alternativo, muy guitarrero y con cosas muy urbanas que siempre tuvieron.

TQ: No me gusta repetirme, entonces es un disco más personal con las letras, es muy íntimo, de cosas que me pasaron a mí en estos años. A veces escribo de cosas que no tienen sentido o que veo, pero estas son cosas que me pasaron a mí. Del sonido sí, medio vintage, mucha guitarra acústica en muchos temas, hay bastante teclado, que nunca usamos nosotros, no como instrumento principal pero acompañando. Por ahí los temas no son tan frenéticos, bajó un cambio.

T: Bueno, pero “Música de Suspenso”, que es el tema final del disco, tiene un final muy ‘shoegaze’.

TQ: Sí, a full. El resto lo veo más loco, más por ese lado. Esto siempre me gustó y lo vi como un tema muy loco de intentar, por ahí este es el que mejor quedó y se nota más ese toque ‘shoegaze’.

T: ¿A quién llamaron para los sintetizadores? ¿Y para producción?

TQ: Mi hermano es el productor, Felipe Quintans. Él ya produjo el anterior y este ya lo produjo desde la composición, iba tirando ideas. Pudimos hacerlo bien tranqui esta vez, armamos el estudio en el comedor de la casa de él y entonces fue más familiar. Él también grabó los teclados. No son sintetizadores ochentosos, son más de acompañamiento como si fuese no un Hammond, pero ese tipo de sonido.

T: ¿De qué querías hablar en las canciones? “Un documental sobre mí” parece muy egomaníaco.

TQ: Sí, pero quedó así porque la letra tiene que ver con cosas que me pasaron a mí, pero cuando escribo también agrego otras cosas para terminar la letra y que no sea una biografía escrita de lo que me pasa. Tiene cosas que me pasaron y cosas que no, pero que las agregué porque me gustaba cómo quedaba.

T: ¿Qué cosas? ¿Que tienen que ver con la fama?

TQ: No por ese lado, es más como una cosa medio pesimista. Un sentimiento que tenemos todos, que es que cuando hacés cosas por ahí en el momento decís “¿para qué hago esto?”, como que no tiene ningún sentido. Es un sentimiento bastante común pero que solemos reprimirlo porque no está bueno pensar eso. Va por ese lado, es medio pesimista comparado con lo que siempre solemos hacer nosotros que es bastante positivo. Este tiene ese lado de esos sentimientos medio para abajo.

T: ¿Qué significa Bestia Bebé en este momento que hay grandes cambios en la escena y que apareció toda la música urbana? ¿Cómo te sentís como músico frente a eso y como melómano? ¿Te gusta?

TQ: Mucho no me pongo a analizar ese tipo de cosas. La gente se horrorizó por esto de que Trueno dijo que era “el nuevo rock & roll” y se meten en estas boludeces que no tienen sentido. Me parece buenísimo que haya cosas nuevas y que los pibes puedan escuchar rock o trap pero que sean nuevos. Si escuchamos siempre lo mismo nos morimos de aburrimiento.

T: ¿Te parece interesante que aporten un poco de ruptura y de mover estructuras? Cosas que también Él Mató, Las Ligas, Bestia Bebé y un montón de bandas también venían sacudiendo.

TQ: Sí, a full. El hip hop también siempre tuvo en sus letras esas cosas medio polémicas, no podés cantar algo que no llame la atención en ese tipo de música. Igual a mí siempre me gustó el hip hop y no es algo nuevo, tiene como 40 años, entonces me parece que está bueno que haya gente que lo toma en cuenta acá. Una cosa no reemplaza a la otra, es una boludez pensar que ahora es esto o lo otro, no aporta nada. Está bueno que todo tenga su espacio.

T: ¿Qué pensás de los shows en streaming?

TQ: Es eso, no reemplaza ni a palos a un show normal. Un recital por internet no va a reemplazar al vivo jamás, es otra cosa. Es lo que es, un recital por internet. Si está bueno o no, está en cada uno; lo bueno es que lo podés ver desde tu sillón pero es otra cosa.

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“Red Post on Escher Street”, tierno y delirante filme de la Competencia Internacional

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Ternura, delicadeza y delirio emanan de la cámara del japonés Sion Sono en “Red Post on Escher Street”, filme que ingresó hoy a la Competencia Internacional de la edición 35 Festival de Cine de Mar del Plata, que se desarrolla en forma virtual, y de acceso gratuito, a través de la página oficial de la muestra.La trama está ambientada en la etapa de preproducción y parte del rodaje de una película. Allí, el ficticio director Kobashayi intenta retomar la senda del cine independiente que lo catapultó a las alfombras rojas, mientras vive un trauma fantástico y amoroso que se develará al final de historia.

Como parte de este proceso, junto a su equipo arma una audición para actores vocacionales, que reúne al más amplio delirio de personajes (en su mayoría femeninos) que pugnarán por los tres roles protagónicos.

Pero lo que en un comienzo parece ser una especie de camino a la fama, se convierte rápidamente en esa ciénaga que puede ser cualquier industria y que en este caso es la cinematográfica.

Productores ejecutivos que embaucan a los realizadores; asistentes que sólo están para complacer a los superiores; distribuidores y dueños de compañías que piensan en el glamour, el dinero y en aprovecharse de jóvenes actrices.

Sin generar enredos, Sono enhebra los hilos de cada historia como si fuera un bordado multicolor que sólo al final toma sentido en su magnitud, dejando entrever los sueños que conviven detrás de las estrellas de cine, mostrándolos humanizados, vulnerables y decididos, en algunos casos, a combatir a los intereses mercantilistas de la industrial.

Una cinta -a la vista de un occidental- que arranca risas con los delirios que ya ha demostrado realizar con destreza el cine oriental, pero con esa sensibilidad que han plasmado varios de sus directores al transformar en comedia los dramas en sus trágicos personajes.

“Fauna”, relato extraño del mexicano Pereda que maneja con eficacia el absurdo.

En Competencia Latinoamericana ingresa “Fauna”, extraño relato del mexicano Nicolás Pereda y que también comparte el humor negro, rayano en lo absurdo y de excelente factura, en la primera parte de un filme que, inesperadamente se abre en dos, que poco se conectan.

Todo arranca en un automóvil en la árida carretera del norte mexicano con  ciertos problemas con el navegador Waze y sigue con la llegada a la casa de Luisa y Paco -inmediatamente se suma el hermano de Luisa- a casa de los padres de ella.

En la casa de los padres de ella todo es malentendido para Paco que llega precedido de su fama actoral por un pequeño papel  en la serie de Netflix “Narcos”, lo que lo vuelve un centro incómodo de atención del padre y hermano de la chica.

El tema de la actuación no es menos, sino que de alguna forma es el gran protagonista del filme (Luisa también es actriz y ensaya unas líneas para un casting junto a su madre).

La cuestión con “Fauna” es que cuando el espectador logra entrar de lleno en el inteligente y divertido juego que le propone su realizador, el filme salta hacia otra historia, apenas relacionada con la anterior y es como que empieza una segunda película a continuación de la primera.

Esta segunda parte es la interpretación del relato de una historia que el hermano de Luisa está leyendo y cuenta a ella, donde los actores de la primera parte -no los padres- asumen papeles en la segunda.

Se abre en el filme una suerte de agujero negro al que entra la película y del que ya no sale. El tono, la perspectiva, el enfoque de las formas cineamtográficas sigue siendo atrapante, la continuidad de una narrativa deductiva queda en deuda y el filme finaliza en un lugar extraño al de su primera parte, una operación que hace recordar en algún punto a “Animales nocturnos”, de Tom Ford, aunque más radical.

“Piola” típica película del género “coming of age”, en este caso a la chilena.

También a la Competencia Internacional ingreso “Piola” un relato adolescente del chileno Luis Alejandro Pérez, que apuesta a un cine comercial de jóvenes donde son moneda frecuente la incomunicación con los padres, el valor del grupo de pares, la marihuana, el rap y algunas cosas más.

Hay dos historias centrales, la de un grupo de amigos que está formando una banda de hip hop y las alternativas que enfrenta cada uno  y el proyecto común y otra de una chica que vive sola con su mamá, tiene una relación amorosa y pierde un perro.

Luego se encontrarán algunos de los protagonistas de cada una de las historias y ahí ya será el momento de ir pensando en un cierre.

Las películas se pueden ver gratis online hasta el jueves  ingresando a la página del festival.

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El Picadero vuelve a la actividad con público y obras de probada eficacia

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El teatro Picadero reabre sus puertas a partir del jueves 19 de noviembre con unipersonales de probada calidad, gracias a las disposiciones sanitarias para retomar las actividades en espacios escénicos cerrados con estrictos protocolos y una cartelera que promete enriquecerse semana a semana.

La sala que volverá a la actividad con espectáculos unipersonales y estrictos protocolos.

Se verán:

Jueves a las 20: “La suerte de la fea”, de Mauricio Kartun, dirigida por Paula Ransenberg e interpretada por Luciana Dulitzky.

Viernes a las 22 (a partir del 27 de noviembre): “Macho Beta”, de y por Víctor Medina Nanutria (Venezuela).

Sábados a las 21: “Yo, Encarnación Ezcurra”, de Cristina Escofet, con dirección de Andrés Bazzalo y actuación de Lorena Vega.

Domingos a las 19: “Nada del amor me produce envidia”, de Santiago Loza, con dirección de Diego Lerman e interpretación de María Merlino.

El Picadero (Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857) tiene abierta su boletería en forma habitual, pero se recomienda adquirir las entradas por www.plateanet.com.

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Murió a los 91 años la histórica productora televisiva Martha Tedeschi

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Tedeschi fue clave detrás de las cámaras

La histórica productora televisiva Martha Tedeschi, responsable de ciclos como “Odol pregunta”, “Nosotros” y “24 horas por Malvinas”, murió esta madrugada a los 91 años, en su casa, “rodeada de sus cuatro hijos y todos sus nietos”, informó a Télam su hija Mariela.

La productora “no estaba enferma pero sí con el deterioro de su edad y un corazón débil en estos últimos dos meses”, amplió su hija, quien acotó que ella “nunca dejó la actividad”.

En tal sentido, luego de su paso por la televisión, se dedicó a representar artistas de la talla de Mercedes Sosa, Jairo, El Chaqueño Palavecino, entre otros; e incluso planeaba para fin de este año producir un espectáculo navideño en el norte del país.

Nacida un 26 de junio, Tedeschi inició su labor de más de 40 años en la televisión en “La buhardilla de las ilusiones”, un envío de tintes benéficos conducido por Sergio Renán y María Vaner.

También fue responsable del famoso ciclo “Odol pregunta”, en el que Cacho Fontana patentó su “con seguridad” ante cada respuesta correcta de los participantes; y de las memorables transmisiones de los festivales de la canción, tan en boga en los años `60 y ’70.

A mediados de los `70, trabajó en “Nosotros”, una serie dirigida por Agustín Alezzo y con Federico Luppi y Norma Aleandro al frente de un elenco que reunía a Pepe Soriano, Haydée Padilla y Graciela Alfano.

Pero, sin dudas, uno de sus grandes hitos sería “24 horas por Malvinas”, la maratón transmitida por ATC, nombre con que se conocía por entonces a la actual TV Pública, en plena guerra contra Gran Bretaña, en 1982, para recaudar fondos.

Se trató de un incesante desfile de figuras de distintos ámbitos de la vida nacional, en señal de apoyo y con importantes donaciones, en una programa conducido por Cacho Fontana y Pinky.

El ímpetu para hacer fue trasladado a la representación de grandes músicos, tal como recordó su hija, y no la abandonó nunca, al punto que la muerte la encontró con nuevas ideas para el futuro.

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Muere Rhonda Fleming, una de las últimas representantes de la Edad de Oro de Hollywood

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La actriz estadounidense Rhonda Fleming, una de las últimas representantes de la era dorada de Hollywood, falleció a los 97 años en Santa Mónica, California, según confirmaron medios especializados norteamericanos.

Apodada como “la Reina del Technicolor” por cómo sacaba provecho la cámara su fulgurante cabello rojo y sus penetrantes ojos verdes, Fleming tuvo una extensa trayectoria de casi 50 años en cine y televisión, en la que destacan filmes como “Retorno al pasado” (1947), “Cuéntame tu vida” (1945) o “Duelo de titanes” (1957).

Marilyn Louis, tal era su nombre de nacimiento, nació en Los Ángeles como la hija de una modelo y actriz; un origen que la acercaría desde muy temprana edad a los reflectores.

Como veinteañera ya se codeaba con Ingrid Bergman y Gregory Peck en “Cuéntame tu vida”, a las órdenes de Alfred Hitchcock.

Entre los 40 y los 60 participó de cerca de 40 películas, aunque también probó suerte en la TV, el teatro en la neoyorquina Broadway y hasta en los espectáculos en Las Vegas.

Dejó la actuación joven, en 1990, y desde entonces se dedicó a la actividad caritativa, especialmente con la fundación de una clínica de investigación contra el cáncer, también en Los Ángeles.

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El grupo uruguayo La Vela Puerca presenta "Dónde estés", su primer show virtual

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“Donde estés” se verá desde Montevideo

La banda uruguaya La Vela Puerca, capitaneada por el cantante Sebastián “Enano” Teysera, presentará el sábado 17 de octubre su primer concierto en vivo y en directo vía streaming, que realizará en su sala, en la ciudad de Montevideo.

“Donde estés” es el nombre del espectáculo que brindará desde su espacio inaugurado este año después de mucho tiempo de buscar un lugar propio de trabajo colectivo.

“La propuesta es superar el horizonte de sucesos que supone el panorama actual gestando un encuentro a través de la música”, indicó el grupo en un comunicado de prensa.

“Donde estés” se transmitirá para todo el mundo a través de www.velaentradas.com, misma plataforma donde ya se pueden adquirir las entradas.

Durante los últimos meses La Vela Puerca se mantuvo en silencio. Lanzó las versiones en vivo de “Frágil” y “De no olvidar”, que forman parte del DVD “Festejar para Sobrevivir” (2018).

“Estamos muy contentos con esto y metiéndole un montón. Esperamos vernos las caras cuanto antes, mientras tanto nos podemos juntar de esta manera”, expresó la agrupación con 25 años, en sus redes sociales.

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