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Cuando el cine era mudo pero ya contaba historias

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El cine nació el 28 de diciembre 1895 y en Argentina siete meses después que en aquel París de los hermanos Lumiere, o en el Menlo Park de Thomas Alva Edison.

Sin embargo y principalmente por factores técnicos habría de pasar casi una decada para llegar a un formato de duración más o menos parecido al que se estandarizó al superar la hora -más allá de excepciones con mayor extensión- durante todo el siglo 20, un tercio de esta primera centuria, en silencio.

El primer largometraje de la historia, según consta en el Registro de la Memoria del Mundo (Memory of the World Register) de la Unesco, fue la producción australiana “The Story of the Kelly Gang” (1906), de poco más de una hora y escrita y dirigida por Charles Tait.

El argumento de este “western” australiano, de acuerdo a los 17 minutos que fueron recuperados en 1975, giraba alrededor de un bandido de la historia real de Ted Kelly y su pandilla a finales del siglo 19, que en una segunda oportunidad y siete décadas más tarde sería repasado por Tony Richardson, con igual título, con Mike Jagger.

De esa etapa, de la que mucho se ha perdido, particularmente de la producción local y regional, hay muchos clásicos que con el esfuerzo de numerosas instituciones públicas o privadas se buscan, encuentran y restauran ahora digitalmente y en calidad espectacular que no siempre queda reflejado en las versiones que circulan por redes.

Así y todo hay unos cuantos ejemplos de todo el mundo que cumplen con los requisitos de calidad para su visionado, no obstante Argentina todavía está en deuda en este aspecto.

1. “CABIRIA” (Italia, 1914)

Con esta producción italiana dirigida por Giovanni Pastrone, ambientada en la Roma de la segunda guerra púnica dos siglos antes de Cristo, se puede decir que nació el genero conocido como “peplum”, filmes de aventuras en la antigüedad greco-romana, según el término qué se refiere a peplo, en griego tunica, definición a la que recorrió un crítico francés en 1962. Lejanamente inspirada en “Salambo” de Gustave Flaubert, está dividido en cuatro partes y cuenta la historia de Cabiria, una niña de la nobleza romana, que vive en Sicilia con su padre Batto y que junto a su aya, sufre esclavitud tras ser secuestrada por piratas fenicios y que, tras muchas desventuras liberada y vuelta a ser apresada por los cartagineses para que finalmente Roma los derrote definitivamente.

Su figura central es Letizia Quaranta, y la versión con subtítulos en inglés, que puede verse en la web es la completa tal como se la estreno en 1914 (YouTube)

2. “INTOLERANCIA” (Estados Unidos, 1916)

Al cineasta estadounidense David Wark Griffith se le atribuye el uso del montaje como clave en la estructura cinematográfica, y ya lo había demostrado con varias películas algunas de larga duración como “El nacimiento de una nación”, en la que reverencian la fundación del Ku Klux Klan, y de la que quiso reivindicarse con esta nueva superproducción.

La película relata alternativamente cuatro historias de injusticia: la matanza de los hugonotes en Francia, la noche de San Bartolomé de 1572, la pasión y muerte de Cristo, una huelga de trabajadores de aquella década y la caída de la Babilonia del Rey Baltasar en el año 539 a.C. ante el ataque de Ciro II, el grande, rey del os persas, tramas enlazadas por la imagen de una mujer que mece una cuna.

La producción es descomunal en todo sentido, a consecuencia de que su despliegue faraónico no tiene truco óptico alguno.

Su duración es de casi tres horas, y en lo de los papeles centrales aparecen Lillian Gish y Erich Von Stronheim (YouTube).

3. “EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI” (Alemania, 1920)

Robert Wiene según el perturbador guión de Rudolf Meitner y Erich Pommer, a poco de terminada la Gripe Española se anticiparon a la oscuridad de tinieblas que, en un mediano plazo, cubriría Alemania por década y media.

Sentado en un banco de un parque, Francis anima a su compañero Alan para que vayan a una ciudad del norte de Alemania, a ver el espectáculo ambulante del doctor Caligari. Un empleado municipal que le niega a Callegari el permiso para actuar, aparece asesinado y los dos acuden a ver al doctor Caligari y a Cesare, su ayudante sonámbulo, que le anuncia a uno de ellos que sólo vivirá hasta el amanecer.

El doctor Caligari representa al gobierno militar alemán, y Cesare simboliza al hombre común condicionado, como los soldados, a matar.

Se trata de un clarísimo ejemplo de expresionismo alemán, con escenografías absolutamente fantásticas y un tono pesadillesco sin solución de continuidad de principio a fin.

Su figuras centrales son Werner Krauss, Conrad Veidt y Friedrich Feher (YouTube).

4. “ALMAS EN EL CAMINO” (Japón, 1921)

Como en “Intolerancia” de David W. Griffith, esta curiosa obra de Minoru Murata, está conformada por historias diferentes de Máximo Gorky, Wilhelm August Schmidtbonn, que discurren en paralelo. En una, un joven deja su casa de Tokyo y tras tener un hijo decide casarse con la madre y regresar a su hogar. La segunda tiene como protagonistas a un par de delincuentes que buscan trabajo en la ciudad. Es uno de los largometrajes japoneses pioneros y el primer montaje en paralelo del cine asiático, primer clásico del cine japonés.

Sus figuras centrales fueron Kaoru Osanai, Haruko Sowamoru, Denmei Suzuki y Mikiko Hikamatsu.

5. “LA BRUJERÍA A TRAVÉS DE LOS TIEMPOS” (Suecia, 1922)

Es posterior a la gripe española y la dirigió Benjamín Christensen, mezclando documental y ficción, según los dichos de un manual de la inquisición germana de la Edad Media, dividida en cuatro partes, que deviene una presentación de los demonios y las brujas en la cultura primitiva, medieval e incluso de la década del 20, en el momento más alto de un miedo generalizado hacia lo sobrenatural, mostrando el terror de una orden de monjes y monjas, de cara a las tentaciones demoníacas y las malas artes de las brujas, que vuelan en escobas asustando a la población.

Película cuestionada por la moralidad de la época en varios países incluyen su reparto al mismo director, a Astrid Holm y Elisabeth Christensen (YouTube).

6. “CANTA Y NO LLORES, CORAZÓN” (Chile, 1925)

También conocida como “El precio de una honra”, la película de Juan Pérez Berrocal cuenta la historia de Fresia, una joven hermosa e inocente que vive junto a su anciano padre y hermano en una rica estancia del sur chileno, se enamora del hijo de un poderoso hacendado, pero para él sólo será otra conquista pasajera.

Tras décadas desaparecida fue encontrada en 1981, se trataba de una copia que estaba en una antigua sala de un cine de Concepción, lugar donde además fue rodada, y en 2015 se Cineteca Nacional de Chile comenzó una restauración digital cuadro a cuadro, siendo la primera completa de un filme de ese período mudo (1896-1933).

Las figuras centrales fueron el mismo director, Clara del Castillo, Tomás Medina y Anita Giraudo (YouTube).

7. “ACORAZADO POTEMKIN” (URSS, 1925)

Está inspirada en hechos reales ocurridos en 1905, narra como la tripulación del acorazado Príncipe Potemkin de Táurida se cansa del tratamiento abusivo de los oficiales, que incluyía el suministro de carne agusanada como alimento, quienes se sublevaron a la llegada a puerto, principio a un levantamiento popular de toda Rusia, primer antecedente de la revolución de 1917.

Es, sin lugar a dudas, un clásico del cine universal y probablemente la obra más importante del cine soviético, consagratoria de Sergei Einsenstein primero considerado el gran artista de la revolución y con el tiempo condenado por el estalinismo hasta su muerte en circunstancias que aún hoy siguen siendo confusas. Muchos aseguran que el rodaje de esta película tuvo que ver con dos hechos: el desguace de la nave poco antes y como contrapartida a otra insurrección, la del Kronstadt, en 1921, en este caso contra Lenin, que fue abortada (YouTube).

8. “EL TREN FANTASMA” (México, 1927)

El joven ingeniero Mariel se tiene que enfrentar a una peligrosa banda de asaltantes de trenes, quienes secuestran a Elena, la bella hija del despachador de la estación de Orizaba.

Se trata de un largometraje silente de Gabriel García Moreno de su propia empresa productora Centro Cultural Cinematográfico, mediante la cual produce entre 1926 y 1927, tres películas de largometraje, las otras “Misterio” y “El puño de hierro” antes de quebrar.

Con el pasó del tiempo los negativos, previa disolución en acetona, fueron condenados a terminar convertidos en engrudo para sobres y, por casualidad, dos de los tres fueron rescatados y en este caso con una secuencia perdida, reconstruida con imágenes guardadas en el Archivo General de la Nación, 90.000 fotogramas finalmente restaurados en 2013 en una copia 2K (YouTube).

9. “LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO” (Francia, 1928)

Su director fue Carl Theodor Dreyer y fue rodada casi en su totalidad con primeros planos, y se destacó también por el tratamiento de la luz, el encuadre y su montaje. Pero es, sobre todo, la sublime primera y única actuación cinematográfica de Renée (o María) Falconetti, que la terminaría convirtiendo en un genuino clásico. En otro de los papeles aparece Antonin Artaud.

Toma a la gran heroína de la Guerra de los 100 años, evitando el tono épico, centrando la acción en el proceso judicial inquisitorio al que fue sometida por un tribunal eclesiástico que terminó condenándola a la hoguera por hereje.

En 2002, la Fundación Cinemateca Argentina presentó la película con la banda de sonido original de Léo Pouget y Víctor Allix, originariamente orquestada por E. Métehen y los coros de Serge Plaute, según la partitura en principio pérdida y encontrada por esta entidad (en su sede porteña) que en esa oportunidad fue arreglada por Santiago Chotsourian (YouTube).

10. “LA BORRACHERA DEL TANGO”(1928)

A principios de la década del 20 el actor Elías Alippi escribió la pieza con este nombre que seis años más tarde el director Edmo Cominetti, también como productor, llevó a la pantalla grande con la productora Maipo Films, protagonizada por estrellas como Nedda Francy y Eduardo Morera (dos años después director de los famosos clips con Carlos Gardel, Carlos Dux y Alicia Vignoli, entre otros.

En el seno de una familia burguesa del barrio de Belgrano, se desata un drama protagonizado por dos de sus hijos. Uno haragán que deambula por los cabarets, en las antípodas de su hermano, un serio ingeniero hidráulico que es el orgullo de la familia.

La trama con esos dos hombres enamorados de una misma mujer, se presenta como una fábula moral, en la que la vida pone finalmente a las cosas en su lugar. La narración es similar a la de las primeras películas del período sonoro, y contiene algunas escenas memorables como la de una fiesta con foxtrot y tango, y las de la inauguración de la usina, con el encendido de las primeras lamparitas eléctricas en un pueblo.

La copia, tomada de un original en 16 mm. que se ve en internet, fue recuperada en Brasil en 1998, no obstante registra muchas deficiencias (YouTube).

Nosferatu

Es más que obvio que muchas otros largometrajes del cine mudo también pueden verse en internet gratis, por ejemplo de Charles Chaplin (“El pibe”, entre otros), muchas de Buster Keaton, joyas como el “Nosferatu” de Murnau, y lógicamente también argentinas como “Nobleza gaucha” (1915), “Hasta después de muerta” (1916), “Flor de durazno” (1917), con el debut de Carlos Gardel como actor, o el casi documental “El último malón” (1918), entre otras.

El pibe

Como última reflexión vale recordar que en 2019, el museo del cine público Nitrato argentino/Una historia del cine de los primeros tiempos, con la edición de Carolina Cappa, y la colaboración de Andrés Levinson, Sebastián Yablón, Leandro Varela, Florencia Iacomini y Julieta Sepich.

El último malón

Se trata de un memorable trabajo de investigación pero también de recuperación gráfica de todo aquel periodo silente del cine primitivo argentino qué apunta particularmente experimentaciones que tuvieron un recorrido más limitado en su tiempo, con medio millar de imagenes con sus colores y cualidades originales.

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“Las Mil y Una”, de la argentina Clarisa Navas, mejor película en festival coreano Jeonju

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“Las Mil y Una”, largometraje de la cineasta correntina Clarisa Navas ganó la competencia internacional del 21er. Festival de Cine de Jeonju, en Corea del Sur, que finalizó hoy e incluyó algunas actividades presenciales pese a la pandemia.

En el apartado internacional donde se impuso la cinta argentina, mereció un premio especial del jurado “El año del descubrimiento”, del español Luis López Carrasco.

“Las Mil y Una” que en febrero pasado inauguró la sección Panorama del 70mo. Festival de Cine de Berlín, es el segundo filme de Navas, quien se dio a conocer con “Hoy partido a las 3”.

La ahora laureada película se instala en el barrio de monoblocs periférico de la ciudad de Corrientes Las Mil Viviendas, para contar historias vinculadas con la afirmación del deseo y de cómo esa decisión intensifica la existencia de vidas quizás condenadas al aburrimiento, la intoxicación y el silencio.

“En la película tratamos de construir una presencia que no esté mediada por las categorías ni las definiciones previas porque en general estas categorías reducen el misterio de las cosas y el misterio de la vida e impiden la capacidad de construir nuevos afectos”, señaló a Télam antes de su bautismo berlinés.

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Salió a la luz el criticado primer concierto de Serú Girán

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El primer concierto de Serú Girán, realizado el 3 de noviembre de 1978 en el Estadio Obras Sanitarias, mítico por haber defraudado las altas expectativas del público presente y haber sido duramente cuestionado por la crítica, fue publicado por primera vez en YouTube por un coleccionista, que además restauró la imagen y el sonido.

Fue la primera vez que la banda integrada por Charly García, David Lebón, Pedro Aznar y Oscar Moro mostró en público las canciones del primer disco, pergeñado en Brasil; ocasión para la cual contó con una orquesta sinfónica dirigida por Daniel Golderg.

El show fue parte del Festival de la Fundación de la Genética Humana, una organización presidida por Alicia Raquel Hartridge de Videla, esposa del genocida Jorge Rafael Videla; del que también participaron Nito Mestre, León Gieco y Pastoral.

Tras una etapa formativa en Brasil, que incluyó la confección de nuevo material y la grabación de un disco, este recital resultó ser el primer contacto de Serú Girán con el público.

El proyecto generó una alta expectativa en el público debido a que Charly, Lebón y Moro ya contaban con una importante trayectoria en grupos fundamentales del rock argentino y un alto nivel de popularidad.

Sin embargo, hubo una pésima recepción en los espectadores, que quedaron desorientados con la propuesta.

Incluso, en un pasaje del show, la banda interpretó “Disco Shock”, una parodia a la música disco, una moda de esos días deplorada por las hueste rockeras, y recibió como respuesta una lluvia de pilas que el público había extraído de sus grabadores para arrojarlas al escenario.

Una crónica periodística de ese show cuestionó los “coros hermafroditas” del grupo, en tanto que un influyente crítico musical lamentó, de manera irónica, que el concierto haya sido protagonizado “por los dobles de Serú Girán”.

Ese comentario inspiró la tapa de “La Grasa de las capitales”, segundo disco de la banda, parodiaba la tapa de una famosa revista y mostraba a los integrantes del grupo como si fueran sus propios dobles.

La mala experiencia de este show inicial en Obras obligó a Serú Girán a replantear sus pasos, lo que incluiría shows en salas chicas hasta ir conquistando de a poco mayor audiencia, letras más ligadas a la realidad del momento y composiciones musicales más directas.

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Karla Souza: “En el fútbol los jugadores principales no están en la cancha”

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La actriz mexicana Karla Souza, quien estelariza junto con el camaleónico actor colombiano Andrés Parra “El presidente”, serie de Amazon Prime Video creada y dirigida por Armando Bó e inspirada en el escándalo de sobornos multimillonarios que se conoció como el “FIFA Gate”, dijo a Télam que en el fútbol “los jugadores principales no están en la cancha”.

“Los más poderosos están entre bambalinas y ellos son los que manejan todo”, completó Souza en referencia a los dirigentes y empresarios que administran el suculento negocio de los derechos de televisación y marketing del fútbol y que constituyen el corazón del relato de la serie compuesta de ocho capítulos de una hora que llegará el viernes a la plataforma de streaming.

El “FIFA Gate”, que explotó en 2015 pero que el FBI estadounidense investigaba desde 2011, constituyó un cimbronazo para el órgano rector del fútbol mundial y desnudó un complejo entramado de coimas a importantes dirigentes para favorecer a determinadas empresas de Estados Unidos y Latinoamérica en el otorgamiento de derechos de mercadotecnia, patrocinio y distribución de distintas competencias.

Según la pesquisa, en el centro de la telaraña se encontraba Julio Humberto Grondona, quien por más de 35 años fue presidente de la Asociación del Fútbol Argentino y vicepresidente senior de la Federación Internacional del Fútbol Asociado (FIIFA), aunque había fallecido inmaculado casi un año antes de que estallara el escándalo, en julio de 2014.

Trailer oficial

Pero “El presidente” de la serie no es Grondona (que encarna de manera brillante Luis Margani, recordado por “Mundo Grúa”) sino el chileno Sergio Jadue (Parra), un joven y pusilánime dirigente de poca monta de un pequeño club de Segunda División que, casi por casualidad, acabó por convertirse en el mandamás del fútbol trasandino.

Su carácter e inexperiencia lo posicionaron como el objetivo perfecto del FBI y de la agente Lisa Harris que interpreta Souza, quien se asegura de no darle más opción que ser el delator e infiltrado más relevante de la investigación.

Estados Unidos tiene fórmulas que quizás muchos estén cansados de ver y quieren algo más auténtico y local, contado a través de la gente que lo vivió.”

Karla Souza

La actriz, conocida previamente por su personaje de Laurel Castillo en la serie criminal “How to Get Away with Murder”, conversó con Télam sobre las claves de esta historia.

Télam: Entre tantos personajes que tiene “El presidente”, la agente Harris es la única que no existió de verdad; ¿cómo encararon su construcción?

Karla Souza: Tuve la oportunidad de crear el personaje que yo quería porque no hay información acerca de la agente del FBI que haya realmente infiltrado la FIFA. Pude tener rienda suelta. Todo lo demás sí está inspirado en hechos y en personajes reales. Harris es como el comodín de lo que creemos pudo haber sucedido; se hace pasar por Rosario, la camarera de este hotel en Paraguay, en Luque, donde funciona la Conmebol.

T: ¿Cuál es el peso y la influencia que tiene esta mujer sobre Jadue?

KS: Es una relación muy divertida la que se crea entre los dos. Al principio Jadue piensa que es una camarera, y alguien que le está dando consejos de vez en cuando, pero ella le va a dejando más y más información sobre cómo manejar su situación, ya que Jadue es una persona que no está muy dentro de la Conmebol al principio. Gracias a la agente Harris él va adquiriendo más poder y en el momento en el que es descubierta empezamos a ver una faceta nueva. Lo que era en apariencia una amistad, se vuelve un poco como una relación de “bullying” de Harris hacia Jadue. Ella lo entrena para poder ser un “topo”, para poder mentir, para poder llevar información muy específica al FBI. Lo divertido es que ella también tiene una necesidad y una vulnerabilidad que de una forma muy extraña Jadue llega a llenar también.

T: El del fútbol es un ambiente muy masculino y esta historia tiene algunos personajes femeninos determinantes, como el de Harris y el de Nené (la mexicana Paulina Gaitán), la esposa de Jadue que lo fuerza a buscar más y más poder.

KS: Una de mis dudas al entrar a un mundo tan masculino era cómo se iban a tratar y delinear estos personajes femeninos. Tras leer los primeros tres capítulos y hablar con Armando Bó me di cuenta de que estaban creando un personaje complejo y tridimensional y que realmente, y aunque parece ser un mundo masculino, las mujeres llevan la batuta dentro de la historia. Que saben más de lo que la gente hubiera pensado y que Jadue está siendo manipulado por estas dos mujeres.

T: A pesar de que se registraron detenciones y hubo un gran escándalo a nivel mundial, poco parece haber cambiado en el fútbol. ¿Existe forma de transparentar ese ambiente?

KS: Creo que lo que ayuda a que siga como si nada es la pasión que la gente tiene por el fútbol; les importa más ver a su equipo y a sus jugadores favoritos a que haya justicia y castigos. Lo que me doy cuenta en esta serie es que los jugadores principales no están en la cancha, los más poderosos están entre bambalinas y ellos son los que manejan todo. Desde la venta ilegal de tickets, los comerciales, quién juega con quién y en qué momento, son muchas más manipulaciones de las que yo pensaba.

T: En otra época este tipo de historia hubiera sido contada por estadounidenses, con artistas norteamericanos hablando un mal español. ¿Está cambiando la mirada sobre la capacidad de la industria latina?

KS: Estamos viendo eso cada vez más. El mundo quiere ver contenido bien hecho sin importar el idioma. Lo vimos con “Parasite”, lo vimos con “Roma”, lo hemos visto con otros proyectos que son tendencia que están en hebreo. Cada vez más la gente está dispuesta a leer subtítulos como nosotros lo hemos hecho muchos años. Las fronteras se están borrando gracias al entretenimiento y a la necesidad de ver cosas no tan trilladas. Estados Unidos tiene fórmulas que quizás muchos estén cansados de ver y quieren algo más auténtico y local, y contado a través de la gente que lo vivió. Por eso es importante esta historia sobre la Conmebol con actores que realmente son de esas regiones y no ver a un gringo hacer todos los papeles latinoamericanos, que es lo que antes sucedía.

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Juan Quintero ofrece el domingo un concierto por streaming

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El músico y compositor tucumano Juan Quintero protagonizará el próximo domingo un recital por streaming que será su única presentación en solitario de 2020 porque, revela, “me reinventé como profesor y asumir que no voy a tocar me da un poco de calma para no estar en una constante espera”.

Desde su casa en el barrio porteño de Villa Crespo, el artista que es un vital referente de la escena folclórica argentina apunta que “para abril y mayo tenía el foco de trabajo” pero que tuvo que “asumir” que este año no iba a poder tocar.

En una charla con Télam, Quintero asume: “Voy a dar unos talleres después de tener tiempo de estudiar y de darle forma y darle ganas; mudé digamos, ahora me volví un profesor teniendo la posibilidad de reinventarme en relación con otra gente que no está pudiendo trabajar”.

En esa cuerda, el autor, guitarrista y cantante que hace más de dos décadas sostiene el trío folclórico Aca Seca, considera que debido a la pandemia “la emergencia es muy clara, hay mucha gente que la está pasando muy pero muy mal” y que no se olvida de que es “uno de los privilegiados”.

Pero enseguida advierte: “Me duele un montón que le den permiso a la gente para que vaya a almorzar en televisión y no podemos tocar dos personas a dos metros. La música se hace así y en estos tiempos no se puede sonar al unísono porque está el delay de la tecnología”.

Para mí, algunas cosas no van a ser nunca más las mismas”

Juan Quintero

El artista, de 42 años, que se lanzó discográficamente en solitario desde 2002 y ha sostenido dúos con Luna Monti, Luis Pescetti y Edgardo Cardozo, entre otros proyectos, actuará el domingo desde las 18.30 con un recital titulado “Las cosas que me acompañan” para el que el ingreso se obtiene a través de #PlateaLive.

Télam: ¿Cómo surgió la decisión de hacer esta presentación?
Juan Quintero: Yo tengo una relación con la gente que trabaja en el Teatro Picadero y en principio accedí por la cercanía y por la misma sintonía. Lo cierto es que esta cuestión de los vivos desde las casas me genera muchas contradicciones y en principio no sé si estamos haciendo bien y siento una gran resistencia ante el término de “la nueva normalidad” porque esto es una pandemia y estamos peleándola con garra y dientes y ojalá nunca más tengamos que pasar por esta situación. Partiendo de esos términos que son bastante negativos, ahí empiezo a decir “bueno estamos en esta situación y no me voy a hacer el que está alegre por demás y vamos a acompañarnos desde acá a ver qué se construye”.

T: ¿Cómo estás planificando el repertorio a partir de estas sensaciones?
JQ: Para evidenciar muchas cosas que son tesoros maravillosos como las llamadas de los amigos, la presencia de la familia, de mi hija acá, el poder ver el sol, el poder tener un techo, ver algunas plantas, el poder tener agua y algunas cosas que son muy pero muy básicas como la unión de los vecinos, esos muy pequeños gestos dentro de las vidas cotidianas del barrio, el valor de una mirada, de un mínimo gesto de aliento. Cosas muy mínimas que cobraron para mí una dimensión fundamental y que se celebran y que te ponen contento y cosas que te duele no tener. A mí me toca armar como micro-homenajes, tirarle onda a todas esas cosas, personas, situaciones, la naturaleza…

T: Están siendo muy duras la pandemia y el aislamiento…
JQ: Yo no le diría que transite la angustia o se quede en su casa, por ejemplo, a alguien que vive en la Villa 31 porque las palabras no valen para todos lo mismo y hay que estar muy atentos a quién le decimos esas palabras y quién las dice. Pero a mí me toca eso de decir ya que nosotros como artistas somos un poco los catalizadores de los sentires. Yo no voy a hacer una defensa de la alegría cuando siento que acá hay muchas cosas superangustiantes y supercontradictorias y estamos poniéndole todo y me encanta ese sentimiento pero desde una aceptación de la realidad. “Mirá todo lo que está pasando, bueno, arriba los corazones”, desde ahí; y no decir “la nueva normalidad” y velar estas cosas que son tremendas.

T: Es un tiempo de pérdidas…
JQ: Sin duda. Para mí algunas cosas no van a ser nunca más las mismas después de haber tomado esa dimensión de la importancia de escribir en un papel, de una llamada, de verse cara a cara, de un gesto de aliento.

T: ¿En ese repaso por las cosas importantes aparece el aplauso para el artista?
JQ: Justamente con respecto a lo que decís del aplauso, digo “mirá vos lo acostumbrados que estábamos al aplauso” y tal vez no es tan necesario, bien podría ser una cosa que podríamos revisar. El aplauso se volvió como una cosa muy automática y ahora en este silencio que tengo adentro de mi casa me imagino a alguien aplaudiendo y lo primero que le pediría es “callate, por favor”. Creo que algunos de nosotros no volveremos a establecer el mismo vínculo con el escenario, con el público. Hay cosas que se están modificando.

T: ¿El contexto está siendo favorable para crear?
JQ: No estoy componiendo pero el hecho de que tuve que armar estos talleres me está dando un gran impulso y estoy descubriendo sobre mi hacer bastante solitario o en grupos más bien chicos. Esta situación nueva me está llevando a otras dinámicas que me encantan y me están haciendo toda una revisión de mi trabajo que son en un punto un ejercicio de composición también.

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Murió a los 87 años Richard Herd, actor de famosas series de televisión

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El actor Richard Herd, una reconocida cara por sus asiduas participaciones en populares series televisivas, como “Seinfeld”, “Viaje a las estrellas”, “Dinastía”, “V Invasión Extraterrestre” y “El auto fantástico”, entre otras, murió a los 87 años en Los Ángeles, a raíz de un cáncer que padecía desde hacía un tiempo.

La noticia fue confirmada por el sitio especializado de Hollywood Variety, según replica la agencia DPA, que recuerda en especial la participación de Herd en “Seinfeld”, en donde encarnó al memorable jefe del personaje George Constanza en su etapa como empleado de los New York Yankees.

La imagen de Herd es fácilmente reconocible en el público argentino de distintas generaciones debido a su labor en clásicas series a lo largo de varias décadas.

Por caso, en los años `80, tuvo un rol preponderante como el jefe de los visitantes alienígenas en la exitosa “V Invasión Extraterrestre”, además de sus intervenciones en “Doctora Quinn”, “El auto fantástico” y “Dinastía”, entre otros.

Previamente, había participado de famosos envíos como “Starkey & Hutch” y luego en las mencionada “Seinfeld” y “Viaje a las estrellas”, entre las más destacadas.

Sin embargo, también tuvo una actividad intensa en el cine, en filmes como “Todos los hombres del presidente”, “Síndrome de China” y “Mejor solo que mal acompañado”, entre otras.

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