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Pese al coronavirus, en México se reunieron unas 40 mil personas en un festival

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A pesar de la pandemia de coronavirus y a las medidas preventivas adoptadas por distintos gobiernos, que incluyen la suspensión de actividades públicas, se celebró este fin de semana el famoso Festival Vive Latino en la Ciudad de México, que reunió a unas 40 mil personas por jornada.

Los argentinos Babasónicos y Andrés Calamaro, Guns ‘n’ Roses, The Cardigans, Zoé y el español Leiva fueron algunas de las figuras que actuaron en la edición 21 del encuentro musical más importante de América latina, realizado en el Foro Sol, según consignan los diarios mexicanos.

Sin embargo, la organización tuvo que acomodar la grilla a último momento debido a que al menos una decena de artistas (entre ellos los argentinos Gustavo Santaolalla y Usted Señálemelo y los españoles Bunbuty y Vetusta Morla) cancelaron sus respectivas actuaciones, a raíz de la pandemia.

Entre las medidas de prevención adoptadas, el público que asistió al festival debía someterse a un control de temperatura con un termómetro laser al ingresar al predio.

También se proyectaron videos con frecuencia en donde se recomendaba el lavado de manos de manera regular, cubrirse con el pliegue del codo al toser, evitar los contactos físicos y retirarse del predio ante el menor síntoma.

Esta edición del Vive Latino probablemente quede como uno de los únicos encuentros musicales realizados a nivel mundial en medio de la pandemia, debido a que otros famosos festivales como el Coachella en Estados Unidos y las distintas versiones del Lollapalooza fueron postergados.

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Murió a los 87 años Richard Herd, actor de famosas series de televisión

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El actor Richard Herd, una reconocida cara por sus asiduas participaciones en populares series televisivas, como “Seinfeld”, “Viaje a las estrellas”, “Dinastía”, “V Invasión Extraterrestre” y “El auto fantástico”, entre otras, murió a los 87 años en Los Ángeles, a raíz de un cáncer que padecía desde hacía un tiempo.

La noticia fue confirmada por el sitio especializado de Hollywood Variety, según replica la agencia DPA, que recuerda en especial la participación de Herd en “Seinfeld”, en donde encarnó al memorable jefe del personaje George Constanza en su etapa como empleado de los New York Yankees.

La imagen de Herd es fácilmente reconocible en el público argentino de distintas generaciones debido a su labor en clásicas series a lo largo de varias décadas.

Por caso, en los años `80, tuvo un rol preponderante como el jefe de los visitantes alienígenas en la exitosa “V Invasión Extraterrestre”, además de sus intervenciones en “Doctora Quinn”, “El auto fantástico” y “Dinastía”, entre otros.

Previamente, había participado de famosos envíos como “Starkey & Hutch” y luego en las mencionada “Seinfeld” y “Viaje a las estrellas”, entre las más destacadas.

Sin embargo, también tuvo una actividad intensa en el cine, en filmes como “Todos los hombres del presidente”, “Síndrome de China” y “Mejor solo que mal acompañado”, entre otras.

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Cuando el cine era mudo pero ya contaba historias

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El cine nació el 28 de diciembre 1895 y en Argentina siete meses después que en aquel París de los hermanos Lumiere, o en el Menlo Park de Thomas Alva Edison.

Sin embargo y principalmente por factores técnicos habría de pasar casi una decada para llegar a un formato de duración más o menos parecido al que se estandarizó al superar la hora -más allá de excepciones con mayor extensión- durante todo el siglo 20, un tercio de esta primera centuria, en silencio.

El primer largometraje de la historia, según consta en el Registro de la Memoria del Mundo (Memory of the World Register) de la Unesco, fue la producción australiana “The Story of the Kelly Gang” (1906), de poco más de una hora y escrita y dirigida por Charles Tait.

El argumento de este “western” australiano, de acuerdo a los 17 minutos que fueron recuperados en 1975, giraba alrededor de un bandido de la historia real de Ted Kelly y su pandilla a finales del siglo 19, que en una segunda oportunidad y siete décadas más tarde sería repasado por Tony Richardson, con igual título, con Mike Jagger.

De esa etapa, de la que mucho se ha perdido, particularmente de la producción local y regional, hay muchos clásicos que con el esfuerzo de numerosas instituciones públicas o privadas se buscan, encuentran y restauran ahora digitalmente y en calidad espectacular que no siempre queda reflejado en las versiones que circulan por redes.

Así y todo hay unos cuantos ejemplos de todo el mundo que cumplen con los requisitos de calidad para su visionado, no obstante Argentina todavía está en deuda en este aspecto.

1. “CABIRIA” (Italia, 1914)

Con esta producción italiana dirigida por Giovanni Pastrone, ambientada en la Roma de la segunda guerra púnica dos siglos antes de Cristo, se puede decir que nació el genero conocido como “peplum”, filmes de aventuras en la antigüedad greco-romana, según el término qué se refiere a peplo, en griego tunica, definición a la que recorrió un crítico francés en 1962. Lejanamente inspirada en “Salambo” de Gustave Flaubert, está dividido en cuatro partes y cuenta la historia de Cabiria, una niña de la nobleza romana, que vive en Sicilia con su padre Batto y que junto a su aya, sufre esclavitud tras ser secuestrada por piratas fenicios y que, tras muchas desventuras liberada y vuelta a ser apresada por los cartagineses para que finalmente Roma los derrote definitivamente.

Su figura central es Letizia Quaranta, y la versión con subtítulos en inglés, que puede verse en la web es la completa tal como se la estreno en 1914 (YouTube)

2. “INTOLERANCIA” (Estados Unidos, 1916)

Al cineasta estadounidense David Wark Griffith se le atribuye el uso del montaje como clave en la estructura cinematográfica, y ya lo había demostrado con varias películas algunas de larga duración como “El nacimiento de una nación”, en la que reverencian la fundación del Ku Klux Klan, y de la que quiso reivindicarse con esta nueva superproducción.

La película relata alternativamente cuatro historias de injusticia: la matanza de los hugonotes en Francia, la noche de San Bartolomé de 1572, la pasión y muerte de Cristo, una huelga de trabajadores de aquella década y la caída de la Babilonia del Rey Baltasar en el año 539 a.C. ante el ataque de Ciro II, el grande, rey del os persas, tramas enlazadas por la imagen de una mujer que mece una cuna.

La producción es descomunal en todo sentido, a consecuencia de que su despliegue faraónico no tiene truco óptico alguno.

Su duración es de casi tres horas, y en lo de los papeles centrales aparecen Lillian Gish y Erich Von Stronheim (YouTube).

3. “EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI” (Alemania, 1920)

Robert Wiene según el perturbador guión de Rudolf Meitner y Erich Pommer, a poco de terminada la Gripe Española se anticiparon a la oscuridad de tinieblas que, en un mediano plazo, cubriría Alemania por década y media.

Sentado en un banco de un parque, Francis anima a su compañero Alan para que vayan a una ciudad del norte de Alemania, a ver el espectáculo ambulante del doctor Caligari. Un empleado municipal que le niega a Callegari el permiso para actuar, aparece asesinado y los dos acuden a ver al doctor Caligari y a Cesare, su ayudante sonámbulo, que le anuncia a uno de ellos que sólo vivirá hasta el amanecer.

El doctor Caligari representa al gobierno militar alemán, y Cesare simboliza al hombre común condicionado, como los soldados, a matar.

Se trata de un clarísimo ejemplo de expresionismo alemán, con escenografías absolutamente fantásticas y un tono pesadillesco sin solución de continuidad de principio a fin.

Su figuras centrales son Werner Krauss, Conrad Veidt y Friedrich Feher (YouTube).

4. “ALMAS EN EL CAMINO” (Japón, 1921)

Como en “Intolerancia” de David W. Griffith, esta curiosa obra de Minoru Murata, está conformada por historias diferentes de Máximo Gorky, Wilhelm August Schmidtbonn, que discurren en paralelo. En una, un joven deja su casa de Tokyo y tras tener un hijo decide casarse con la madre y regresar a su hogar. La segunda tiene como protagonistas a un par de delincuentes que buscan trabajo en la ciudad. Es uno de los largometrajes japoneses pioneros y el primer montaje en paralelo del cine asiático, primer clásico del cine japonés.

Sus figuras centrales fueron Kaoru Osanai, Haruko Sowamoru, Denmei Suzuki y Mikiko Hikamatsu.

5. “LA BRUJERÍA A TRAVÉS DE LOS TIEMPOS” (Suecia, 1922)

Es posterior a la gripe española y la dirigió Benjamín Christensen, mezclando documental y ficción, según los dichos de un manual de la inquisición germana de la Edad Media, dividida en cuatro partes, que deviene una presentación de los demonios y las brujas en la cultura primitiva, medieval e incluso de la década del 20, en el momento más alto de un miedo generalizado hacia lo sobrenatural, mostrando el terror de una orden de monjes y monjas, de cara a las tentaciones demoníacas y las malas artes de las brujas, que vuelan en escobas asustando a la población.

Película cuestionada por la moralidad de la época en varios países incluyen su reparto al mismo director, a Astrid Holm y Elisabeth Christensen (YouTube).

6. “CANTA Y NO LLORES, CORAZÓN” (Chile, 1925)

También conocida como “El precio de una honra”, la película de Juan Pérez Berrocal cuenta la historia de Fresia, una joven hermosa e inocente que vive junto a su anciano padre y hermano en una rica estancia del sur chileno, se enamora del hijo de un poderoso hacendado, pero para él sólo será otra conquista pasajera.

Tras décadas desaparecida fue encontrada en 1981, se trataba de una copia que estaba en una antigua sala de un cine de Concepción, lugar donde además fue rodada, y en 2015 se Cineteca Nacional de Chile comenzó una restauración digital cuadro a cuadro, siendo la primera completa de un filme de ese período mudo (1896-1933).

Las figuras centrales fueron el mismo director, Clara del Castillo, Tomás Medina y Anita Giraudo (YouTube).

7. “ACORAZADO POTEMKIN” (URSS, 1925)

Está inspirada en hechos reales ocurridos en 1905, narra como la tripulación del acorazado Príncipe Potemkin de Táurida se cansa del tratamiento abusivo de los oficiales, que incluyía el suministro de carne agusanada como alimento, quienes se sublevaron a la llegada a puerto, principio a un levantamiento popular de toda Rusia, primer antecedente de la revolución de 1917.

Es, sin lugar a dudas, un clásico del cine universal y probablemente la obra más importante del cine soviético, consagratoria de Sergei Einsenstein primero considerado el gran artista de la revolución y con el tiempo condenado por el estalinismo hasta su muerte en circunstancias que aún hoy siguen siendo confusas. Muchos aseguran que el rodaje de esta película tuvo que ver con dos hechos: el desguace de la nave poco antes y como contrapartida a otra insurrección, la del Kronstadt, en 1921, en este caso contra Lenin, que fue abortada (YouTube).

8. “EL TREN FANTASMA” (México, 1927)

El joven ingeniero Mariel se tiene que enfrentar a una peligrosa banda de asaltantes de trenes, quienes secuestran a Elena, la bella hija del despachador de la estación de Orizaba.

Se trata de un largometraje silente de Gabriel García Moreno de su propia empresa productora Centro Cultural Cinematográfico, mediante la cual produce entre 1926 y 1927, tres películas de largometraje, las otras “Misterio” y “El puño de hierro” antes de quebrar.

Con el pasó del tiempo los negativos, previa disolución en acetona, fueron condenados a terminar convertidos en engrudo para sobres y, por casualidad, dos de los tres fueron rescatados y en este caso con una secuencia perdida, reconstruida con imágenes guardadas en el Archivo General de la Nación, 90.000 fotogramas finalmente restaurados en 2013 en una copia 2K (YouTube).

9. “LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO” (Francia, 1928)

Su director fue Carl Theodor Dreyer y fue rodada casi en su totalidad con primeros planos, y se destacó también por el tratamiento de la luz, el encuadre y su montaje. Pero es, sobre todo, la sublime primera y única actuación cinematográfica de Renée (o María) Falconetti, que la terminaría convirtiendo en un genuino clásico. En otro de los papeles aparece Antonin Artaud.

Toma a la gran heroína de la Guerra de los 100 años, evitando el tono épico, centrando la acción en el proceso judicial inquisitorio al que fue sometida por un tribunal eclesiástico que terminó condenándola a la hoguera por hereje.

En 2002, la Fundación Cinemateca Argentina presentó la película con la banda de sonido original de Léo Pouget y Víctor Allix, originariamente orquestada por E. Métehen y los coros de Serge Plaute, según la partitura en principio pérdida y encontrada por esta entidad (en su sede porteña) que en esa oportunidad fue arreglada por Santiago Chotsourian (YouTube).

10. “LA BORRACHERA DEL TANGO”(1928)

A principios de la década del 20 el actor Elías Alippi escribió la pieza con este nombre que seis años más tarde el director Edmo Cominetti, también como productor, llevó a la pantalla grande con la productora Maipo Films, protagonizada por estrellas como Nedda Francy y Eduardo Morera (dos años después director de los famosos clips con Carlos Gardel, Carlos Dux y Alicia Vignoli, entre otros.

En el seno de una familia burguesa del barrio de Belgrano, se desata un drama protagonizado por dos de sus hijos. Uno haragán que deambula por los cabarets, en las antípodas de su hermano, un serio ingeniero hidráulico que es el orgullo de la familia.

La trama con esos dos hombres enamorados de una misma mujer, se presenta como una fábula moral, en la que la vida pone finalmente a las cosas en su lugar. La narración es similar a la de las primeras películas del período sonoro, y contiene algunas escenas memorables como la de una fiesta con foxtrot y tango, y las de la inauguración de la usina, con el encendido de las primeras lamparitas eléctricas en un pueblo.

La copia, tomada de un original en 16 mm. que se ve en internet, fue recuperada en Brasil en 1998, no obstante registra muchas deficiencias (YouTube).

Nosferatu

Es más que obvio que muchas otros largometrajes del cine mudo también pueden verse en internet gratis, por ejemplo de Charles Chaplin (“El pibe”, entre otros), muchas de Buster Keaton, joyas como el “Nosferatu” de Murnau, y lógicamente también argentinas como “Nobleza gaucha” (1915), “Hasta después de muerta” (1916), “Flor de durazno” (1917), con el debut de Carlos Gardel como actor, o el casi documental “El último malón” (1918), entre otras.

El pibe

Como última reflexión vale recordar que en 2019, el museo del cine público Nitrato argentino/Una historia del cine de los primeros tiempos, con la edición de Carolina Cappa, y la colaboración de Andrés Levinson, Sebastián Yablón, Leandro Varela, Florencia Iacomini y Julieta Sepich.

El último malón

Se trata de un memorable trabajo de investigación pero también de recuperación gráfica de todo aquel periodo silente del cine primitivo argentino qué apunta particularmente experimentaciones que tuvieron un recorrido más limitado en su tiempo, con medio millar de imagenes con sus colores y cualidades originales.

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Miau Trío ofrece un concierto por streaming y a la gorra

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Miau Trío compartirá este jueves, a las 21 y a través de sus redes sociales, la última presentación realizada en marzo, en una transmisión en la que cada espectador pondrá el precio de su entrada para acceder.
 

Miau Trío “en tu living” es el registro del último de una serie de conciertos realizados en marzo pasado en el porteño El Galpón de Guevara, que debió ser interrumpida por la aislamiento social, preventivo y obligatorio.

El grupo está integrado por Rocío Katz, Mariana Michi y Rocío Iturralde, y se caracteriza por el abordaje performático que hace de clásicos estándares del jazz, canciones francesas e italianas y composiciones propias. 

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Músicos y artistas plásticos a “cuatro manos” frente a la pandemia

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Hace ya demasiados días que la pantalla se convirtió en una ventana al mundo, a un mundo azorado por la pandemia. Pero mirar lo que pasa del “otro lado” también puede ser gratificante. Los videos de “Cuatro manos”, donde músicos y artistas plásticos improvisan su arte y comparten el proceso de crearlo nos reconcilian con la belleza y la esperanza de volver a ser nosotros mismos.

Lo que vemos al “asomarnos” es tan simple como conmovedor. Mientras el pintor crea en una hoja en blanco, el músico improvisa a partir de esa misma obra. Todo editado en poco más de dos minutos. Se trata de nueve videos, que ya vieron más de 25.000 usuarios, y que pueden verse a través del canal de YouTube de la AMIA, organizadora de la propuesta.

“Pensamos en qué contenido propio, producto de la cuarentena, podíamos crear para generar un formato original que sea testigo de este tiempo que nos toca vivir. Y así nació ‘Cuatro Manos’ ”, cuenta a Télam Elio Kapszuk, director del departamento de Arte y Producción de AMIA.

¿De qué manera se puede reconvertir el distanciamiento en acercamiento a partir de la experiencia artística?, se pregunta Kapszuk. Y responde: “Un trabajo conjunto entre artistas que nos permita ser testigos del momento de creación”.

La apuesta tiene el ingrediente de mostrar aquello que como espectadores no solemos ver. “Estamos acostumbrados a ver los productos artísticos terminados, casi nunca podemos ver los procesos”, explica el directivo.

“La posibilidad de espiar y ser parte de ese momento tan único, ver cómo un artista plástico va creando desde la hoja en blanco y cómo un músico produce a partir de esas imágenes, es todo un privilegio”, destaca.

La propuesta está destinada a grandes y chicos y ofrece, en su primera etapa,  nueve duplas creativas: Marcos Acosta y Lito Vitale; Cynthia Cohen y Leo Sujatovich; Pum Pum y Adrián Iaies; Natalia Cacchiarelli y Eduardo Blacher; Emiliano Miliyo y Nico Cota; Ernesto Pesce y Lilián Saba; César Lerner y Gimena Macri; Tomás Espina y Chicoria Sánchez; y Jorh y Piñón Fijo.

Piñón Fijo y Jorh

Primero una flor azul. Después otra marrón. Un ave de color negro se posa sobre la primera flor. Otra, sobrevuela la segunda. A lo lejos, van o vienen muchas aves más. Pero es la lenta melodía del piano quien pone a la nalturaleza en movimiento. A las flores, a las aves negras, a todo. Una brisa que no se ve pero podemos sentir, aún del otro lado de la pantalla.

“Desde un principio la propuesta me interesó mucho, porque entendía que no podía hacer algo cerrado, algo ajustado a una idea previa. Tenía que hacer algo que fluya, simple, que sea fresco, como si otra persona pudiera agarrar el pincel y seguir haciendo arriba de eso. Esa fue mi premisa”, explica Pum Pum, artista plástica y referente del arte callejero que hizo dupla con el pianista Adrían Iaies, en diálogo con Télam.

“Tomé en cuenta –relata Iaies- cierto ritmo de Pum Pum en el trazo, en cómo iba trabajando y traté de hacer algo que de alguna manera juegue con ese ritmo, con lo que iba trazando, con el movimiento de dibujar. Que juegue no significa que sea igual sino que haya como una tensión entre el momento que van juntos y el momento en que uno va en su propio aire”.

El autor de la banda de sonido del filme “Tres de corazones”, de Sergio Remán, asegura que “pensé (la melodía) como algo incidental, si uno hablara en términos cinematográficos, más que como algo argumental. No estuve viendo que tal cosa coincida con tal trazo o algo por el estilo sino más bien recrear ese aire en lo que Pun Pum estaba dibujando, recreándolo a través de la música”.

“No atarme a nada y pintar como si fuese algo que va a seguir en movimiento. Ver la pieza final me encanto, la música de Adrián Iaies fue como escuchar sonidos de la naturaleza, como pinceladas que funcionaban a la perfección”, destaca Pum Pum después de repasar el video donde solo se ven sus manos trabajando, marca registrada de una artista que hace del anonimato parte de su identidad.

Del tomate

Los tonos de rojo se derraman desde el pincel sobre el blanco de la hoja como una gran mancha de sangre. Es el teclado el que reclama alguna urgencia, algo por venir; la acuarela oscurece el borde, obliga la forma, deja que oír guitarras y vientos sintetizados mientras crece una sombra, la negritud que empuja las teclas hacia el blues, hacia “El Blues del tomate”.

“A pesar de que mi trabajado en el taller tiene mucho de aislamiento, relativo, obvio, esta situación está cargada de temas de otro orden, que nos producen miedos, inseguridades, ansiedad”, relata a Télam Cynthia Cohen, artista plástica que formó dupla creativa con el tecladista y compositor Leo Sujatovich.

El músico que formó parte de Spinetta Jade cuenta que “mi encuentro con la obra fue a través de un video, no fue muy distinto a lo que me sucede cuando trabajo haciendo música para películas, en donde hay una situación interesante, más o menos definida”.

“Si bien Cinthya dibujó un tomate –agrega- me pareció como un símbolo y eso para mi se traduce en un estilo sensible, que genera alguna idea, que genera eventualmente una melodía, un estilo. A veces las cosas tiene efecto por ser sencillas, otras por ser complejas. Me encantó poder hacerlo y lo que ella pintó”.

Para Cohen, creadora de imágenes impregnantes e imponentes, el encuentro entre expresiones artísticas diferentes “es muy gratificante. Cuando otro artista toma alguna obra mía como punto de partida para crear es genial, mis trabajos están para eso”. Sin embargo, asegura que esa confluencia no condicionó su labor, ya que “no es algo que pensé en el momento de trabajo, de creación”.

Adrián Yaes y Pum Pum

Los acordes de la guitarra de Piñón Fijo barren como el viento la playa para que aparezcan, como una revelación, los rostros alarmados de una familia dibujados por Jorth, que miran al cielo, donde aparece la palabra SOS con un sol en el medio.

Y Piñón canta: “ESE O ESE / ese o el otro / es este virus / somos nosotros / que nos invade / que nos aqueja / que no nos deja / tener la foto / de aquel abrazo / de aquel encuentro…”

“Tuve un montón de sensaciones por la relación que tengo con Jorth. Armamos un equipo de trabajo hermoso. Cuando vi la palabra SOS, que formaba ‘sos’, empecé a jugar con ese sentido; eso fue un afecto, una sensación”, relata a Télam el actor y payaso Fabián Alberto Gómez, conocido como Piñón Fijo.

El autor de la popular canción infantil “Chu Chu Ua” compuso en “Cuatro manos” una canción que traspasa las fronteras de la edad. “Jugar con la letra como si fueran manchas de pintura –explica- que van dispersándose y tomando forma por sí solas y dejar llevar la imaginación infantil y lúdica me llevó a hacer una canción que se permite dejar sensaciones más universales, que trascienden la niñez”.

Encuentro y diálogo

“La respuesta de los artistas con la AMIA siempre es maravillosa y demuestra el compromiso de creación que tiene la comunidad artística durante la cuarentena”, destaca Kapszuk, quien no descarta que “Cuatro manos” tenga una segunda versión con nuevos artistas y creaciones.

La respuesta del público es una de las claves del proyecto, que puso una nota diferente en la variada oferta cultural on line que se multiplicó durante el aislamiento. “Muchos entraban por su conocimiento de quienes hacían la música o la obra plástica, y se valoró sobre todo el encuentro y la posibilidad de diálogo”, subraya Kapszuk.

“Es muy interesante la idea de que otro artista cierre la obra que hicimos juntos. Fue muy enriquecedor y me dieron ganas de seguir pintando, más allá del aislamiento y las imposibilidades que se presentan en esta etapa tan extraña que estamos viviendo”, reflexiona en torno a la experiencia la artista plástica Natalia Cacchiarelli.

Encuentro, diálogo a partir de la diferencia y sensibilidad artística son las claves de “Cuatro manos”, una propuesta que puede trascender el arte para insertarse en la vida cotidiana. Ese lugar que hoy exige vínculos más humanos para superar el aislamiento y vencer imposibilidades

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Convocados por la AMIA, los artistas muestran cómo crean

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Convocados por AMIA, músicos y artistas plásticos muestran sus momentos de creación y comparten su arte en cuarentena. El departamento de Arte y Producción de AMIA lanzó “Cuatro manos”, un proyecto audiovisual que permite ver a músicos y artistas plásticos en el momento de creación de sus obras.

La serie de videos que integran la propuesta le brinda al espectador la posibilidad de convertirnos en testigos de una escena única e íntima, en la que los protagonistas dan vida a sus obras a partir de una hoja en blanco.

A través de una pantalla compartida, “Cuatro manos” muestra cómo los músicos compusieron sus canciones y melodías con la inspiración que les produjo los trabajos de los artistas plásticos que participaron de esta iniciativa.

“Habitualmente vemos las obras terminadas. Este proyecto permite ver cómo es el hacer de los artistas; nos da la oportunidad de observarlos en el momento de la creación, inspiración e improvisación”, señala Elio Kapszuk, director del área de Arte y Producción de AMIA.

Los contenidos

En su etapa inicial, “Cuatro manos” -que cuenta con contenidos tanto para adultos como para el público infantil- presenta nueve duplas creativas: Marcos Acosta y Lito Vitale; Cynthia Cohen y Leo Sujatovich; Pum Pum y Adrián Iaies; Natalia Cacchiarelli y Eduardo Blacher; Emiliano Miliyo y Nico Cota; Ernesto Pesce y Lilián Saba; César Lerner y Gimena Macri; Tomás Espina y Chicoria Sánchez; y Jorh y Piñón Fijo.

El proyecto fue creado por el área de Arte y Producción de AMIA, en conjunto con la productora El Ciclista que tuvo a su cargo la realización y el planteo audiovisual de cada una de las piezas.

Los contenidos de “Cuatro Manos” se enmarcan en el proyecto “AMIA en Casa”, una iniciativa que la institución emprendió en el inicio de la pandemia, y que ofrece a diario diferentes propuestas y contenidos para acompañar a las personas ante la situación de aislamiento interpersonal que estamos atravesando.

Las realizaciones compartidas por los artistas que forman parte de la iniciativa “Cuatro Manos” pueden verse en https://bit.ly/CuatroManos y en las redes sociales de AMIA.

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