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El Flaco quiere llevar la cumbia-trap de la Zavaleta a toda América Latina

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El cantante argentino de música urbana El Flaco lanzó su single “Acelera”, en el que patenta su cumbia-trap como fondo de sonido de los barrios más duros de las urbes argentinas, como la Villa Zavaleta, en pleno Barracas, donde creció.

El Flaco es Sebastián Marcelo Chávez, nació en El Dorado, Misiones, y a los 12 años vino a la ciudad de Buenos Aires, siguiendo a su padre, que huía del hambre y del trabajo esclavo en un aserradero del Litoral.

En “la Zavaleta”, como llaman al barrio marginado que se alza orillas de la calle Iriarte, conoció la cumbia y el rap mientras cursaba el colegio, robaba motos para ayudar en su casa y caía en el consumo de sustancias como el paco, la codeína y la marihuana, aunque no presume de eso.

Cuando su música comenzó a funcionar, al Flaco lo llamaron para participar en la película “¿Qué puede un cuerpo?” de César González que retrata la cruda vida en la villa Carlos Gardel del partido de Morón.

Luego interpretó a Fiorito en “El Marginal 3” lo que impulsó su reconocimiento y un crecimiento en las bajadas de las canciones subidas en las tiendas digitales. De allí lo ficharon para Universal Music, una de las dos discográficas más grandes de la industria de la música a nivel mundial.

La vida parece haber cambiado pero El Flaco sigue viviendo en Villa Zavaleta junto a su familia, reivindica la honestidad villera, mientras se concentra en hacer que su cumbia trap llegue a todo al país y se transforme en un sello dentro de la movida urbana.

El Flaco con su reciente lanzamiento “Acelera”

De su vida, su música y algunas cosas más, El Flaco habló con Télam.

T:- Naciste en Misiones. ¿Dónde y cómo terminaste en Buenos Aires?
EF: Nací en Eldorado, mi papá laburaba en un aserradero y mi vieja era ama de casa. En esa zona de Misiones no hay trabajadores con derechos, o sos yerbatero o trabajás en un aserradero con condiciones de mano de obra esclava. Te maltratan, usan a toda tu familia y te pagan una miseria. A mi viejo lo echaron y decidió que nos veníamos porque ya no teníamos para comer. Si nos hubiéramos quedado allá, mi viejo hubiera muerto laburando y mis hermanos y yo seríamos mano de obra esclava en un ingenio yerbatero.

T:- En una de las canciones decís “ya no tomo code, ahora fumo”.
EF:- Solo para concentrarme, porque no consumo.

T:- ¿Pegó la codeína o fue más fuerte el paco y sentiste que se llevaba amigos tuyos?
EF:- El paco. La codeína yo la consumí pero tampoco me llamaba mucho la atención, es de otra clase social. En mi barrio es paco, porro y base y ahí a los pibes el paco los destruye. Yo tengo amigos que fallecieron por el paco, que cometieron delitos por la droga, por la necesidad. Por ahí la codeína es de otra generación. Yo la probé porque estaba ahí pero no me llama mucho la atención. Yo antes daba un mal mensaje, que no sé si era un mal mensaje porque estaba contando la realidad de lo que pasaba pero eso no significa que sea tu realidad. Yo no puedo estar contando tantas cosas tan crudas porque no sé si te va a gustar lo que te diga, más si sos negro, estás tatuado y vivís en la villa. La gente siempre desde ese lado me marginó mucho. Entonces ahora trato de dar un mensaje de “yo vivo acá pero quiero salir adelante”. Pasé muchas cosas en la vida pero tampoco necesito contarte todo.

T:- ¿Por qué, porque el que se enoja es el del barrio?
EF:– No, el del barrio siempre va a estar ahí porque sabe cómo es. Pero yo no me siento cómodo contando que me estoy drogando y que me escuche un pibe clase media que tiene 9 años. No está bueno porque sé lo que es eso y no quiero dar ese mensaje a los pibes. Yo quiero hacer buenas canciones, que a la gente le guste y tratar de dar siempre un buen mensaje. Aparte, nunca necesité hacerme el piola con los demás. Nunca me gustó el discurso del gangsta rap, aunque volviendo a lo de antes, en algún momento la calle te va a pasar factura. Hay muchos raperos que están muertos o presos, eso es complicado y creo que estamos en una etapa en Argentina que eso en algún momento va a pasar. Yo no tengo por qué hacerme el piola con un pibe que estuvo rapeando en la plaza y se está ganando la vida, no tengo por qué hacerme el piola porque soy de la villa. No necesito eso, bien ahí que estás laburando, total al que te va a pasar factura es a vos, no a mí. El que después va a tener “bondi” (problemas, líos) sos vos por hablar giladas. Así como te lo digo yo, lo vas a escuchar de mucha gente que está laburando serio, que pasó por cosas similares. Si quieren tener problemas que hablen, yo estoy tranqui, estoy haciendo música, estoy haciendo plata, estoy haciendo shows, no necesito hacerme el gángster frente a un pibe de 12 años que vive en Nordelta.

T:- ¿Sentías que había que dar el ejemplo y ayudar a tus viejos?
EF:- Claro, mis hermanos laburan, mi vieja labura, yo ayudo mucho en mi casa. Yo no trabajé mucho, siempre me las rebusqué pero a mi familia todo lo que pude le di. Yo tengo sobrinos, hermanos… Ya no me drogo, siempre trato de dar el ejemplo a la familia porque es lo que mi vieja siempre buscó para mí. Yo no soy religioso, hago mi vida. Aparte, la gente del barrio me empezó a ver de otra manera, pasé de ser uno de los chorritos a un pibe que está ayudando a los que están haciendo música, que está trayendo producciones al barrio, que está llevando al estudio a los pibes que son del barrio. Yo voy a ver muchas veces a amigos que están en cana y los pibes me dicen “bien ahí, lo que estás haciendo por los pibes, estás dando el ejemplo de que las cosas malas te las van a cobrar”. Entonces es diferente, pasé de ser el chorrito del barrio a un pibe que quieren y saludan. El último video que saqué “Acelera”, nos metimos a la villa con una banda de coches de alta gama con la productora de videos sin policía ni nada. La seguridad eran los pibes, los compas de barrio que muchos andan robando, muchos andan trabajando, pero los pibes están ahí. Yo no puedo ir a filmar un videoclip a mi barrio con la policía, es una falta de respeto para la gente de ahí.

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Entrevistas a "Protagonistas" de la vida sindical en un podcast

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El periodista Jorge Duarte encabeza un ciclo de podcasts exclusivamente orientado a contenidos sindicales y que se convirtió en un inusual espacio periodístico en el que los representantes gremiales, de todas las tendencias políticas, aparecen, según su conductor, “sin la mirada prejuiciosa o estereotipada con la que tantas veces se los aborda desde los medios tradicionales”.

“El sindicalismo aparece en los medios tradicionales a través del conflicto o de la coyuntura noticiosa. Desde nuestro podcast, ´Protagonistas´, tratamos de detenernos en la mirada que los dirigentes gremiales tienen del país, de la economía, de la sociedad y del modelo sindical. Porque muchos de ellos han sido actores políticos determinantes de los últimos 20 años y rara vez se los interroga desde ese lugar”, afirmó Duarte en diálogo con Télam.

Licenciado en Ciencias de la Comunicación de la Universidad Nacional de Quilmes y director del portal de noticias Infogremiales, el periodista estrenó un ciclo de entrevistas, de alrededor de 15 minutos de duración, y que se emiten cada dos semanas (hasta ahora fueron entrevistados Hugo Yasky, Juan Carlos Schmid, Vanesa Siley, Daniel Yofra, Dina Sánchez, Ignacio Lorenzieme y Hugo ´Cachorro´ Godoy).

El formato del podcast, que permite la transmisión de audio a través de plataformas digitales y su escucha en forma desprogramada, expresa un crecimiento cada año. Si bien en el mundo hispano no hay cifras certeras respecto de publicidad, según números publicados por el sitio Puro Marketing, en Estados Unidos se espera que los podcasts generen 659 millones de dólares en publicidad en 2020, en un notable crecimiento respecto de los 69 millones de 2015.

Télam: Trabajaste contenidos sindicales en diferentes formatos, gráfica, radio… ¿Qué razones te motivaron a lanzar este proyecto bajo este formato?

Jorge Duarte: Lo que estaba claro que el formato esta en crecimiento en el mundo y en la Argentina. También que existía una carencia muy notable de contenidos políticos en este formato y que esa carencia era absoluta en materia sindical. Una de las ideas-fuerza iniciales fue que los dirigentes sindicales aparecieran sin intermediarios y que pudieran expresar su visión sobre la política, la economía y la sociedad, con miradas muy disímiles y contradictorias. La ventaja de la serie de entrevistas que encaramos es que no se hacen desde una mirada prejuiciosa hacia los sindicalistas y que es lo que tantas veces los condiciona cuando son interpelados por los medios tradicionales. Buscamos una mirada intimista y ajena a los temas de coyuntura. Entrevistamos a actores políticos fundamentales de los últimos 20 años y nos interesa que se despliegue su mirada de la política, la economía o el propio modelo sindical.

T: ¿Cómo ves las estrategias actuales de los sindicatos en materia de difusión, sea por medios propios (los hay con canales o programas de tv o radio) o en su forma de relacionarse con los medios privados?

JD: Existe una tensión en el modo de comunicar de los dirigentes y las organizaciones sindicales. De a poco se va transformando el modelo de la publicación de la solicitada en los grandes medios a una comunicación con énfasis en las redes o en los espacios especializados. Pero es un cambio que no termina de cristalizarse. La relación entre los sindicalistas y los medios es utilitarista. Se usan, se necesitan, pero a la vez se desconfían. En ese contexto “Protagonistas” tuvo una muy buena repercusión, en los medios pero también en el mundo del trabajo. Aun sin certezas sobre el financiamiento del proyecto tenemos una demanda que nos reclama la realización de una segunda temporada con historias del movimiento obrero o experiencias de los delegados de base, que no fueron el centro del ciclo que está en curso.

El espacio conducido por Jorge Duarte, producido por el periodista Nicolás López y acompañado por Podlab, un colectivo de realizadores especializados en este formato, se puede escuchar en todos los reproductores de podcast y a través del sitio infogremiales.com.ar

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Pese al coronavirus, en México se reunieron unas 40 mil personas en un festival

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A pesar de la pandemia de coronavirus y a las medidas preventivas adoptadas por distintos gobiernos, que incluyen la suspensión de actividades públicas, se celebró este fin de semana el famoso Festival Vive Latino en la Ciudad de México, que reunió a unas 40 mil personas por jornada.

Los argentinos Babasónicos y Andrés Calamaro, Guns ‘n’ Roses, The Cardigans, Zoé y el español Leiva fueron algunas de las figuras que actuaron en la edición 21 del encuentro musical más importante de América latina, realizado en el Foro Sol, según consignan los diarios mexicanos.

Sin embargo, la organización tuvo que acomodar la grilla a último momento debido a que al menos una decena de artistas (entre ellos los argentinos Gustavo Santaolalla y Usted Señálemelo y los españoles Bunbuty y Vetusta Morla) cancelaron sus respectivas actuaciones, a raíz de la pandemia.

Entre las medidas de prevención adoptadas, el público que asistió al festival debía someterse a un control de temperatura con un termómetro laser al ingresar al predio.

También se proyectaron videos con frecuencia en donde se recomendaba el lavado de manos de manera regular, cubrirse con el pliegue del codo al toser, evitar los contactos físicos y retirarse del predio ante el menor síntoma.

Esta edición del Vive Latino probablemente quede como uno de los únicos encuentros musicales realizados a nivel mundial en medio de la pandemia, debido a que otros famosos festivales como el Coachella en Estados Unidos y las distintas versiones del Lollapalooza fueron postergados.

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A través de un video, Pat Metheny se lamentó por la suspensión de su concierto

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El guitarrista de jazz norteamericano Pat Metheny grabó hoy video en el que lamentó no haber podido tocar en Buenos Aires en los dos conciertos que tenía programados para hoy y mañana en el Teatro Gran Rex, debido a las medidas para frenar el avance del coronavirus.

HABLA PAT METHENY, SOBRE LA REPROGRAMACION DE SUS SHOWS

“Hola a todos, soy Pat Metheny, estoy en Buenos Aires y quería decirles que es una pena que no hayamos podido tocar”, dijo el que fuera fundador del fantástico Pat Metheny Group en un video de cerca de un minuto de duración que puso en circulación la producción del concierto.

“Ustedes saben -agregó- lo que está pasando en todo el mundo con el coronavirus, algo que está fuera de nuestro control, pero les prometo que volverermos apenas aparezca la posibilidad de tocar para ustedes y ya estamos trabajando en eso”,

“Fue absolutamente frustrante que hayamos estado tanto tiempo sin venir a Buenos Aires y nos haya pasado esto, pero me alegra saber que vamos a volver tanto pronto podamos”, aseguró.

Pat Metheny llegó a Buenos Aires en medio de la gira que viene desarrollando en los últimos cinco años, conocida como “An Evening with Pat Metheny, en la que recorre 45 años de su música.

El grupo del guitarrista de 65 años y ganador de 20 premios Grammy que está con él en Buenos Aires está conformado por el baterista mexicano Antonio Sanchez (que viene tocando con él desde 2002), la bajista malayo-australiana Linda May Han Oh y el pianista galés Gwilym Sincock, tres verdaderos gigantes del jazz actual, líder cada uno de proyectos propios de enorme trascendencia.

Este tour que llega a la Argentina fue la base a partir de la grabaron el material “From This Place”, editado el pasado 23 de febrero, un trabajo que encuentra a Metheny en su mejor forma compositiva e interpretativa y su primer registro de música nueva en los últimos seis años.

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"The Walking Dead" y una posible versión en Sudamérica

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Greg Nicotero, productor ejecutivo, director y responsable de la estética de la serie post apocalíptica de zombies “The Walking Dead”, valoró el impacto que la ficción produjo en el género de terror y confesó que ya existieron “conversaciones sobre hacer una versión del programa hablada en español” ambientada en Sudamérica.

Hay una base de fans inmensa en América Latina y amo el hecho de que sean tan devotos, y en algún momento hemos tenido conversaciones acerca de una versión de la serie hablada en español“, completó el productor, consciente de la conveniencia que podría tener hacer honor a la fidelidad del público en la región, gran sostén para la continuidad del programa tras diez años al aire.

Es que según reportan medios especializados estadounidenses, mientras que en las últimas temporadas el programa ha visto cómo caían los ratings en territorio norteamericano, en Latinoamérica se mantiene entre lo más visto de la TV.

“The Walking Dead” transita por estos días la segunda mitad de su décima temporada -23.30 los domingos por Fox Premium-, y pese a la salida de casi todo su elenco original y a la dificultad de hallar nuevas historias que contar en ese mundo del fin del mundo, encuentra siempre cómo reciclarse.

El universo narrativo de “The Walking Dead” parece gozar de excelente salud: cuenta ya con una undécima temporada en producción, una serie derivada bien asentada, otro spin-off a punto de estrenar y una trilogía de películas en desarrollo.

Buena parte de aquello que aún conquista a los fans lleva la firma de Nicotero.

 Como productor ejecutivo, como director de 31 episodios a lo largo de diez años pero especialmente como diseñador de la estética y supervisor de los efectos especiales, es responsable del ‘look’ apocalíptico de la serie, con sus grandes extensiones de tierra deshabitadas, sus ciudades derruidas y hordas de hambrientos muertos vivientes pululando a la vuelta de cada esquina.

Creo que ‘The Walking Dead’ ha hecho mucho por poner de vuelta en el centro de la escena al maquillaje de efectos especiales“, opinó con orgullo Nicotero, ganador de cuatro premios Emmy y de una prolífica labor en la materia, que inició en 1985 con el “padre” del género zombie, George Romero.

“Con lo que hicimos con el programa, siento que nuestros conceptos, nuestra estética, se ha convertido en aquello a lo que la gente se refiere o percibe en términos de cómo debe lucir un zombie”, agregó el productor, quien trabajó allá por 2010 con el realizador Frank Darabont mientras pensaban cómo crear el aspecto de los “caminantes” de la serie.

Lentes de contacto que ayudan a generar su “mirada muerta”, dentaduras especiales, la piel retraída de la boca y la paleta de colores, son algunos de los aspectos sobre los que trabajó Nicotero para llevar al zombie de las películas de Romero a una nueva era.

La permanencia que tuvo la serie y la progresión en la trama supuso para el equipo técnico un desafío que “fue complejizándose”: “En la primera o segunda temporada no necesitábamos crear un look tremendamente descompuesto. A medida que progresa la trama, los zombies están más y más podridos, con la descomposición de los cuerpos hasta el músculo, hasta el hueso”.

Pero para Nicotero los efectos visuales no son la única razón de que el programa continúe conectando con los fans, sino que el “corazón” de “The Walking Dead” es que siempre ha tratado sobre “lo que la gente está dispuesta a hacer para sobrevivir”.

“Todos nos preguntamos qué haríamos en una situación específica que nos pone a prueba y creo que una de las cosas que realmente resistió la prueba del tiempo con ‘The Walking Dead’ es que la gente puede identificarse con nuestros personajes”, aseguró.

En ese sentido, Nicotero señaló que la serie funciona porque lleva a la audiencia a plantearse la vida en términos de los “miedos primitivos” y a recordarle que aunque el ser humano moderno cree tener el control, en realidad vive en un ecosistema “muy frágil”.

“Lo que Frank Darabont (quien abandonó la serie en 2012) hizo por el género zombie es que creó una trama de supervivencia cautivante de un modo que te permite conocer mejor a los personajes”, dijo Nicotero sobre el impacto que tuvo la serie para un subgénero en el que hasta el momento sólo destacaban los largometrajes.

“Todo aquel que alguna vez haya creado una pieza de terror sabe que se trata de los personajes; tenés que amar a los personajes, identificarte con ellos, porque tiene que importarte lo que pueda pasarles. Si te importan, entonces te van a importar las situaciones que atraviesan, te va a dar alegría cuando sobrevivan y vas a llorar cuando mueran”, reveló.

Finalmente, Nicotero admitió que el fin el año pasado del cómic de Robert Kirkman en el que está inspirado la serie llevó a los productores a comenzar a pensar hasta cuándo se puede extender la historia.

Para cuando termine la temporada 11 nos vamos a estar acercando rápidamente al punto en que llegaron los cómics. Hay todavía un número infinito de historias por contar, pero sólo sé que cuando el show llegue a un final, este va a estar bellamente diseñado“, concluyó.

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Producciones de Chile, Palestina y Estados Unidos renuevan la cartelera de cine

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Seis estrenos renuevan la cartelera cinematográfica, el chileno -en coproducción con Argentina- “Araña” de Andrés Wood, “De repente el paraíso”, del cineasta palestino Elia Suleiman y cuatro estadounidenses, como “El escándalo”, de Jay Roach, “Bad Boys para siempre”, de Adil El Arbib y Billal Fallan, “Gretel & Hansel, un siniestro cuento de hadas”, de Oz Perkins y “Amenaza en lo profundo”, de William Eubank.

“ARAÑA” (Chile-Brasil-Argentina/2019, 105 m. +16, con reservas) Drama

Chile, a inicios de la década del 70 cuando Inés, Justo y Gerardo son tres veinteañeros que forman parte de un violento grupo de extrema derecha, y nacionalista, que quiere derrocar al gobierno de Salvador Allende.

En el fragor de esta lucha se ven envueltos en un arriesgado y apasionado triángulo amoroso y cometen un crimen político que los separa para siempre, pero 40 años después, Gerardo reaparece y no sólo lo inspira la venganza, sino también su obsesión de hacer renacer su causa.

La dirigió Andrés Wood (“Machuca”, “Violeta se fue a los cielos”), con guión de Guillermo Calderón, fotografía de Miguel Littin-Menz y actuaciones de Mercedes Morán, María Valverde y Marcelo Alonso.

“DE REPENTE EL PARAISO” (“It Must Be Heaven”, Francia-Alemania-Qatar-Canadá-Palestina-Turquia/2019, 103 m. ATP) Comedia

El cineasta palestino Elia Suleiman viaja a diferentes ciudades -Paris y Nueva York- y encuentra paralelos inesperados con su tierra natal y situaciones disparatadas, proponiendo un esquema de falso documental con él mismo como protagonista central.

Elia Suleiman es uno de los nombres mayores del cine de su país y de las últimas décadas, con obras como “Intervención divina” y “El tiempo que queda”, esta vez con fotografía de Sofian El Fani y edición de Verónique Lange.

“BAD BOYS PARA SIEMPRE” (“Bad Boys for Life”, Estados Unidos/2020, 124 m. +13) Acción

En Miami, los detectives Mike Lowrey y Marcus Burnett vuelven a hacer de las suyas, y su nueva aventura volverá a estar plagada de acción, bandas, persecuciones de coches y explosiones. Con unos métodos únicos y un peculiar sentido de afrontar los problemas y el peligro que abunda en las calles, incluidas las constantes discusiones entre ambos, este par de policías enfrentará nuevos retos y siempre estarán preparados para saltarse las normas cuando la justicia lo requiera.

La dirección es de Adil El Arbib y Billal Fallan, según el guión de Chris Brenner, Peter Craig y John Carnahan según los personajes de George Gallo, con el dúo central Will Smith y Mark Lawrence.

“EL ESCÁNDALO” (“Bombshell”, Estados Unidos/2019, 108 m. +13, con reservas) Drama-Biográfica

Deconstrucción de la caída de uno de los imperios mediáticos más poderosos y controvertidos de las últimas décadas, Fox News, y de cómo un grupo de explosivas mujeres logró acabar con el hombre al frente de la empresa, Roger Ailes.

La dirección es de Jay Roach (“Trumbo”, “Los Fockers”), según el guión de Charles Randolph, con actuaciones de Charlize Theron, Nicole Kidman y Margot Robbie. filme que recibió el Oscar a mejor maquillaje y peinado

“GRETEL & HANSEL, UN SINIESTRO CUENTO DE HADAS” (“Gretel & Hansel”, Estados Unidos-Canada-Irlanda/2020, 87 m. +13, con reservas) Terror/Fantasía/Suspenso

En Baviera, a principios del siglo XIV, Gretel y Hansel, viven en la miseria más absoluta, su padre murió hace años y su madre vive con perverso, por lo que huyen del pueblo en busca de un futuro mejor, pero en el bosque encuentran personajes siniestros hasta llegar a una casa donde vivirán las peores pesadillas.

Es el tercer largometraje de género de Oz Perkins, en este caso con Sammy Lesley y Sophia Lillis.

“AMENAZA EN LO PROFUNDO” (“Underwater”, Estados Unidos/2019, 95 m. +13) Acción/Drama/Terror

Una tripulación de seis integrantes queda atrapada en una instalación submarina que se está inundando a gran velocidad como consecuencia de un sismo devastador. Su única oportunidad para sobrevivir es caminar a través del suelo marino hasta una lejana plataforma petrolífera abandonada. Además de los retos físicos que implica el viaje, descubren rápidamente que están siendo cazados por depredadores marinos míticos y monstruosos, dispuestos a matarlos.

La dirigió William Eubank, según un guión de Brian Duffield y Adam Cozad, con actuaciones de Kirsten Stewart, Seymour Cassel y T.J. Miller.

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