El cantante argentino de música urbana El Flaco lanzó su single “Acelera”, en el que patenta su cumbia-trap como fondo de sonido de los barrios más duros de las urbes argentinas, como la Villa Zavaleta, en pleno Barracas, donde creció.

El Flaco es Sebastián Marcelo Chávez, nació en El Dorado, Misiones, y a los 12 años vino a la ciudad de Buenos Aires, siguiendo a su padre, que huía del hambre y del trabajo esclavo en un aserradero del Litoral.

En “la Zavaleta”, como llaman al barrio marginado que se alza orillas de la calle Iriarte, conoció la cumbia y el rap mientras cursaba el colegio, robaba motos para ayudar en su casa y caía en el consumo de sustancias como el paco, la codeína y la marihuana, aunque no presume de eso.

Cuando su música comenzó a funcionar, al Flaco lo llamaron para participar en la película “¿Qué puede un cuerpo?” de César González que retrata la cruda vida en la villa Carlos Gardel del partido de Morón.

Luego interpretó a Fiorito en “El Marginal 3” lo que impulsó su reconocimiento y un crecimiento en las bajadas de las canciones subidas en las tiendas digitales. De allí lo ficharon para Universal Music, una de las dos discográficas más grandes de la industria de la música a nivel mundial.

La vida parece haber cambiado pero El Flaco sigue viviendo en Villa Zavaleta junto a su familia, reivindica la honestidad villera, mientras se concentra en hacer que su cumbia trap llegue a todo al país y se transforme en un sello dentro de la movida urbana.

De su vida, su música y algunas cosas más, El Flaco habló con Télam.

T:- Naciste en Misiones. ¿Dónde y cómo terminaste en Buenos Aires?
EF: Nací en Eldorado, mi papá laburaba en un aserradero y mi vieja era ama de casa. En esa zona de Misiones no hay trabajadores con derechos, o sos yerbatero o trabajás en un aserradero con condiciones de mano de obra esclava. Te maltratan, usan a toda tu familia y te pagan una miseria. A mi viejo lo echaron y decidió que nos veníamos porque ya no teníamos para comer. Si nos hubiéramos quedado allá, mi viejo hubiera muerto laburando y mis hermanos y yo seríamos mano de obra esclava en un ingenio yerbatero.

T:- En una de las canciones decís “ya no tomo code, ahora fumo”.
EF:- Solo para concentrarme, porque no consumo.

T:- ¿Pegó la codeína o fue más fuerte el paco y sentiste que se llevaba amigos tuyos?
EF:- El paco. La codeína yo la consumí pero tampoco me llamaba mucho la atención, es de otra clase social. En mi barrio es paco, porro y base y ahí a los pibes el paco los destruye. Yo tengo amigos que fallecieron por el paco, que cometieron delitos por la droga, por la necesidad. Por ahí la codeína es de otra generación. Yo la probé porque estaba ahí pero no me llama mucho la atención. Yo antes daba un mal mensaje, que no sé si era un mal mensaje porque estaba contando la realidad de lo que pasaba pero eso no significa que sea tu realidad. Yo no puedo estar contando tantas cosas tan crudas porque no sé si te va a gustar lo que te diga, más si sos negro, estás tatuado y vivís en la villa. La gente siempre desde ese lado me marginó mucho. Entonces ahora trato de dar un mensaje de “yo vivo acá pero quiero salir adelante”. Pasé muchas cosas en la vida pero tampoco necesito contarte todo.

T:- ¿Por qué, porque el que se enoja es el del barrio?
EF:– No, el del barrio siempre va a estar ahí porque sabe cómo es. Pero yo no me siento cómodo contando que me estoy drogando y que me escuche un pibe clase media que tiene 9 años. No está bueno porque sé lo que es eso y no quiero dar ese mensaje a los pibes. Yo quiero hacer buenas canciones, que a la gente le guste y tratar de dar siempre un buen mensaje. Aparte, nunca necesité hacerme el piola con los demás. Nunca me gustó el discurso del gangsta rap, aunque volviendo a lo de antes, en algún momento la calle te va a pasar factura. Hay muchos raperos que están muertos o presos, eso es complicado y creo que estamos en una etapa en Argentina que eso en algún momento va a pasar. Yo no tengo por qué hacerme el piola con un pibe que estuvo rapeando en la plaza y se está ganando la vida, no tengo por qué hacerme el piola porque soy de la villa. No necesito eso, bien ahí que estás laburando, total al que te va a pasar factura es a vos, no a mí. El que después va a tener “bondi” (problemas, líos) sos vos por hablar giladas. Así como te lo digo yo, lo vas a escuchar de mucha gente que está laburando serio, que pasó por cosas similares. Si quieren tener problemas que hablen, yo estoy tranqui, estoy haciendo música, estoy haciendo plata, estoy haciendo shows, no necesito hacerme el gángster frente a un pibe de 12 años que vive en Nordelta.

T:- ¿Sentías que había que dar el ejemplo y ayudar a tus viejos?
EF:- Claro, mis hermanos laburan, mi vieja labura, yo ayudo mucho en mi casa. Yo no trabajé mucho, siempre me las rebusqué pero a mi familia todo lo que pude le di. Yo tengo sobrinos, hermanos… Ya no me drogo, siempre trato de dar el ejemplo a la familia porque es lo que mi vieja siempre buscó para mí. Yo no soy religioso, hago mi vida. Aparte, la gente del barrio me empezó a ver de otra manera, pasé de ser uno de los chorritos a un pibe que está ayudando a los que están haciendo música, que está trayendo producciones al barrio, que está llevando al estudio a los pibes que son del barrio. Yo voy a ver muchas veces a amigos que están en cana y los pibes me dicen “bien ahí, lo que estás haciendo por los pibes, estás dando el ejemplo de que las cosas malas te las van a cobrar”. Entonces es diferente, pasé de ser el chorrito del barrio a un pibe que quieren y saludan. El último video que saqué “Acelera”, nos metimos a la villa con una banda de coches de alta gama con la productora de videos sin policía ni nada. La seguridad eran los pibes, los compas de barrio que muchos andan robando, muchos andan trabajando, pero los pibes están ahí. Yo no puedo ir a filmar un videoclip a mi barrio con la policía, es una falta de respeto para la gente de ahí.

Seis estrenos renuevan la cartelera cinematográfica, el chileno -en coproducción con Argentina- “Araña” de Andrés Wood, “De repente el paraíso”, del cineasta palestino Elia Suleiman y cuatro estadounidenses, como “El escándalo”, de Jay Roach, “Bad Boys para siempre”, de Adil El Arbib y Billal Fallan, “Gretel & Hansel, un siniestro cuento de hadas”, de Oz Perkins y “Amenaza en lo profundo”, de William Eubank.

“ARAÑA” (Chile-Brasil-Argentina/2019, 105 m. +16, con reservas) Drama

Chile, a inicios de la década del 70 cuando Inés, Justo y Gerardo son tres veinteañeros que forman parte de un violento grupo de extrema derecha, y nacionalista, que quiere derrocar al gobierno de Salvador Allende.

En el fragor de esta lucha se ven envueltos en un arriesgado y apasionado triángulo amoroso y cometen un crimen político que los separa para siempre, pero 40 años después, Gerardo reaparece y no sólo lo inspira la venganza, sino también su obsesión de hacer renacer su causa.

La dirigió Andrés Wood (“Machuca”, “Violeta se fue a los cielos”), con guión de Guillermo Calderón, fotografía de Miguel Littin-Menz y actuaciones de Mercedes Morán, María Valverde y Marcelo Alonso.

“DE REPENTE EL PARAISO” (“It Must Be Heaven”, Francia-Alemania-Qatar-Canadá-Palestina-Turquia/2019, 103 m. ATP) Comedia

El cineasta palestino Elia Suleiman viaja a diferentes ciudades -Paris y Nueva York- y encuentra paralelos inesperados con su tierra natal y situaciones disparatadas, proponiendo un esquema de falso documental con él mismo como protagonista central.

Elia Suleiman es uno de los nombres mayores del cine de su país y de las últimas décadas, con obras como “Intervención divina” y “El tiempo que queda”, esta vez con fotografía de Sofian El Fani y edición de Verónique Lange.

“BAD BOYS PARA SIEMPRE” (“Bad Boys for Life”, Estados Unidos/2020, 124 m. +13) Acción

En Miami, los detectives Mike Lowrey y Marcus Burnett vuelven a hacer de las suyas, y su nueva aventura volverá a estar plagada de acción, bandas, persecuciones de coches y explosiones. Con unos métodos únicos y un peculiar sentido de afrontar los problemas y el peligro que abunda en las calles, incluidas las constantes discusiones entre ambos, este par de policías enfrentará nuevos retos y siempre estarán preparados para saltarse las normas cuando la justicia lo requiera.

La dirección es de Adil El Arbib y Billal Fallan, según el guión de Chris Brenner, Peter Craig y John Carnahan según los personajes de George Gallo, con el dúo central Will Smith y Mark Lawrence.

“EL ESCÁNDALO” (“Bombshell”, Estados Unidos/2019, 108 m. +13, con reservas) Drama-Biográfica

Deconstrucción de la caída de uno de los imperios mediáticos más poderosos y controvertidos de las últimas décadas, Fox News, y de cómo un grupo de explosivas mujeres logró acabar con el hombre al frente de la empresa, Roger Ailes.

La dirección es de Jay Roach (“Trumbo”, “Los Fockers”), según el guión de Charles Randolph, con actuaciones de Charlize Theron, Nicole Kidman y Margot Robbie. filme que recibió el Oscar a mejor maquillaje y peinado

“GRETEL & HANSEL, UN SINIESTRO CUENTO DE HADAS” (“Gretel & Hansel”, Estados Unidos-Canada-Irlanda/2020, 87 m. +13, con reservas) Terror/Fantasía/Suspenso

En Baviera, a principios del siglo XIV, Gretel y Hansel, viven en la miseria más absoluta, su padre murió hace años y su madre vive con perverso, por lo que huyen del pueblo en busca de un futuro mejor, pero en el bosque encuentran personajes siniestros hasta llegar a una casa donde vivirán las peores pesadillas.

Es el tercer largometraje de género de Oz Perkins, en este caso con Sammy Lesley y Sophia Lillis.

“AMENAZA EN LO PROFUNDO” (“Underwater”, Estados Unidos/2019, 95 m. +13) Acción/Drama/Terror

Una tripulación de seis integrantes queda atrapada en una instalación submarina que se está inundando a gran velocidad como consecuencia de un sismo devastador. Su única oportunidad para sobrevivir es caminar a través del suelo marino hasta una lejana plataforma petrolífera abandonada. Además de los retos físicos que implica el viaje, descubren rápidamente que están siendo cazados por depredadores marinos míticos y monstruosos, dispuestos a matarlos.

La dirigió William Eubank, según un guión de Brian Duffield y Adam Cozad, con actuaciones de Kirsten Stewart, Seymour Cassel y T.J. Miller.

“Cartas a mi ex” es la nueva serie web de Jazmín Stuart, que ya se puede ver en el sitio y aplicaciones de la Universidad de Tres de Febrero UN3, en la que la actriz y directora retoma el género epistolar, en formato audiovisual, para poder hablar sobre las relaciones con ex parejas.

“La idea surge de la observación de los vínculos y la estructura dramática de la carta, algo que se viene perdiendo desde hace tiempo y que quería rescatar”, dijo Stuart en una entrevista con Télam.

Esta producción original de la UN3 consta de ocho capítulos, de no más de 10 minutos cada uno, en los cuales los protagonistas se proponen actuar lo que sería una carta a sus relaciones terminadas, en las cuales asumen culpas y realizan reclamos, aunque en todas ellas dejan en claro que crecieron y supieron más de sí mismos luego de haberse conocido.

Stuart transita varios géneros a lo largo de la serie, como la comedia, el thriller, el drama y hasta el erotismo.

La realizadora, que actúa en uno de los capítulos, no deja casi nada fuera de sus guiones: la novia que no puede superar la separación; el novio que acepta que la relación sólo se basa en lo sexual; el valor de una mujer que logra superar la violencia de su marido; el “novio” homosexual que no quiere salir del clóset; una relación triángular asfixiante entre dos mujeres y un hombre.

“Las historias surgen del deseo de poder contar el amor desde el punto de vista más diverso, intentando pasar por distintas emociones y distintos tipos de vínculos”, sostuvo Stuart.

Así, los ocho capítulos de la serie sirven como tópicos para adentrarse en otros temas que forman parte del amor y las parejas, pero que también exceden ese íntimo mundo para debatir sobre el rol social y cultural que los vínculos tienden a cumplir.

Además de la directora, la serie cuenta con actuaciones de Sofía Gala Castiglione, Pilar Boyle, Nicolás Mateo, Matías Bassi, Susana Neer, Susana Varela, Gala Eva Pizarro y Candela Vetrano, entre otros.

“Lo que la serie intenta transmitir es que en lo vincular siempre hay un aprendizaje y uno aprende sobre uno mismo. De manera que finalizar un vínculo es finalizar una etapa de uno mismo. La serie muestra finales y transformaciones que son bienvenidos y que implican una apertura para ser mejor o más adecuado para lo que uno es en cada etapa de la vida”, explicó sobre la última producción del canal de la Universidad Tres de Febrero, pionero en este tipo de contenidos web.

La idea de la serie es también generar identificación porque hay situaciones muy reconocibles”

– Télam: La serie aborda en partes iguales la atracción física como la sensorial en una forma de abarcar la totalidad de una relación, ¿creés que es así?
– Jazmín Stuart: La conexión desde lo físico me parecía tan fundamental tanto como la espiritual y afectiva. Muchas veces estamos ligados a las personas que amamos desde lo corporal y desde lo sensorial y me parecía explorar esa área también.

-T.: ¿Creés que los celos son el comienzo de la violencia verbal y física?
– J.S.: Creo que en muchos casos los celos son un detonante de situaciones de violencia y manipulación y, por lo tanto, en algunas de las historias son un componente fundamental.

– T.: ¿El amor se puede definir o se define en cada relación?
– J.S.: Sí, creo que el amor se redefine en cada relación, pero hay muchos factores que son comunes. Por eso la idea de la serie es también generar identificación porque hay situaciones muy reconocibles que de alguna manera unifican un inconsciente colectivo de los vínculos amorosos.

– T.: El personaje de Sofía Gala, cuando decide separarse, le dice a su ex en esta carta: “No soy yo, sos vos”. ¿Creés que una pareja que ha durado bastante y se separa la culpa es de uno o tiende a ser de los dos?
– J.S.: El fin de una relación tiene que ver con algo mutuo, donde la responsabilidad es compartida. Pero a veces hay uno de los dos componentes del vínculo que es responsable por omisión, por tolerar situaciones que le producen infelicidad. En el caso del capítulo de Sofía, su personaje embellece o deja pasar de lado algunas situaciones, hasta que lo reconoce y lo puede dar por terminado.

– T.: En varios capítulos la mentira es un punto central que, según el personaje, se hace más o menos tolerable ¿Hasta cuándo uno puede soportar situaciones así?
– J.S.: La serie no pretende ser un decálogo de máximas o bajar línea, así que no puedo establecer hasta dónde es soportable la mentira en una relación. Sí creo que, en lo personal ese límite tiene que ver con la mirada sobre uno mismo y advertir cuándo la pasión se transforma en sufrimiento.

Ningún favorito logra más unanimidad que Joaquin Phoenix para alzarse con una estatuilla dorada en la 92a edición de los Premios Oscar, a pesar de que como Mejor Actor compite en una categoría que este año presenta performances brillantes, como el caso de Antonio Banderas intepretando al alter ego de Pedro Alomodóvar en “Dolor y gloria”, Leonardo DiCaprio en “Había una vez en Hollywood” o, más lejos, Adam Driver en “Historia de un matrimonio”.

El actor, que ya fuera nominado en otras tres ocasiones (“Gladiador” en 2001 para actor secundario; “Johnny & June: pasión y locura” en 2006 y “The Master” en 2012, las dos últimas como actor protagónico), viene arrasando con todos los premios previos a los de la Academia, que muchas veces preanuncian o formatean el resultado de los Oscar.

Phoenix ganó su categoría como Mejor Actor Protagónico en los Globo de Oro que entrega la prensa extranjera y que abre la temporada de premios que culmina este domingo con la gala de los Oscar en el Dolby Theatre, y luego repitió en el Critic’s Choice Awards y el Sindicato de Actores, para cerrar con los Bafta británicos.

Su composición a carne viva de uno de los personajes más oscuros del comic norteamericano, creado en 1940 por el trío de Bill Finger, Bob Kane y Jerry Robinson, y que incorpora rasgos psicopáticos con un humor enfermo y cierto goce ante la crueldad parecen marcarle el camino a Phoenix a su primer y relegado Oscar.

“Guasón”, de Todd Phillips -película que compite el domingo en 11 categorías de los Oscar- indaga la psicología profunda del enemigo número uno de Ciudad Gótica y aspira a ir tallando un personaje ideal para el apetito hollywoodense: de oscura relación con su madre, con problemas psicológicos profundos, dejado de lado por los servicios sociales, despreciado por sus pares y despedido del trabajo, que comienza un lento camino de redención personal a través del terror y la muerte.

Aun cuando Phoenix parece número puesto en la categoría Mejor Actor, nada está dicho en la gala de los Oscar, que en su historia cuentan con muchas sorpresas, y de hecho nadie podría molestarse si en vez de Phoenix, el español Antonio Banderas se lleva la estatuilla el domingo.

La interpretación una suerte de alter ego de Pedro Almodóvar en “Dolor y gloria”, es notable y de una contundencia implacable, donde ningún gesto está sobreactuado pero entre todos logra componer un personaje complejo, de talento insondable y, al mismo tiempo, con fragilidades a flor de piel, atravesado por la soledad, los miedos y ciertas manías, como es el retrato ficticio que el realizador de “Todo sobre mi madre” y “La ley del deseo” construyó sobre sí mismo, en esta cinta, que compite también en la categoría Mejor Filme Extranjero.

Detrás de estos dos colosos y candidatos máximos viene Adam Driver, una de las estrellas ascendentes y de mejor futuro de Hollywood desde su aparición televisiva en “Girls”, y que ahora es una de las estrellas de la franquicia “Star Wars”, pero también trabajó con Jim Jarmusch en “Paterson” y con Spike Lee en “Inflitrado en el KKKlan”.

Nominado por la película de Lee el año pasado como Actor Secundario, esta segunda oportunidad de los Oscar le llega a Driver por “Historia de un matrimonio”, donde desarrolla una precisa, aunque no descollante, composición de un director teatral neoyorquino independiente en proceso de divorcio de su esposa, una actriz con pasado hollywoodense que decide volver a Los Angeles.

La dupla que en la película de Noah Baumbach, Driver establece con Scarlett Johansson (también nominada como Mejor Actriz) alcanza momentos de alto vuelo y aunque el filme no deja de escapar a ciertas fórmulas de Hollywood, logra un relato interesante que describe el ascenso y declive de una historia de amor y, como dice el título, matrimonio.

Además de estos tres candidatos hay otros dos peso pesado en la competencia de la categoría: la megaestrella Leonardo DiCaprio, ganador del Oscar por “El renacido” y nominado en otras cuatro oportunidades , que arriba a esta instancia por su trabajo en “Había una vez en Hollywood”, opus 10 de Quentin Tarantino.

En el filme del creador de “Pulp Fiction”, DiCaprio se carga la película al hombro componiendo a una vieja leyenda del cine del Lejano Oeste de Hollywood en decadencia y que busca volver a las marquesinas.

El quinto nombre de la categoría es el del galés Johnattan Pryce por su trabajo en la producción de Netflix “Los dos papas”, donde compone al argentino Jorge Bergoglio -el segundo argentino de fama mundial que interpreta después del Perón para la “Evita” de Alan Parker-, en una filmación que lo trajo nuevamente a Buenos Aires.

“No podía decir que no a este Papa. Aún sin ser católico he tenido conciencia acerca de los papas, y este fue el primero que me gustó lo que decía, y no como el líder de la Iglesia, sino como un líder mundial”, dijo Pryce acerca de lo que lo atrajo de este papel en charla exclusiva con Télam en Buenos Aires.

El pianista y director de orquesta Daniel Barenboim dirigirá a la Orquesta Estatal de Berlín el próximo lunes en un concierto conmemorativo por el 75 aniversario de la liberación del campo de concentración y exterminio de Auschwitz en la Ópera Estatal de Berlín.

El encuentro, al que asistirán la canciller alemana, Angela Merkel, y el primer ministro polaco, Mateusz Morawiecki, se realizará a beneficio de la Fundación Auschwitz-Birkenau, creada en 2009 por el ex ministro de Relaciones Exteriores polaco y sobreviviente de Auschwitz, Wladislaw Bartoszewski.

El concierto conmemorativo se podrá escuchar en vivo por la radio RBB Kultur y se podrá ver en simultáneo en directo por los sitios web de RBB y la página oficial de la Ópera de Berlín (www.staatsoper-berlin.de).

Barenboim, que asumió en 1992 la dirección general de música de la Ópera de Berlín, recordó en una entrevista concedida a DPA que en 1954, cuando él tenía 11 años y nueve años después de concluida la era nazi, su padre le impidió realizar una presentación musical en dicho país.

En esa línea, el argentino-israelí explicó que el entonces director de la Filarmónica de Berlín, Wilhelm Furtwängler, lo había invitado a dar un concierto en Berlín; sin embargo, el director sostuvo que para una familia judía era demasiado pronto para visitar Alemania.

Barenboim, de 77 años, destacó que Furtwängler fue comprensivo al respecto y lo recomendó a todos los demás directores de orquesta que por entonces estaban invitados en el Festival de Salzburgo.

Consultado por la actualidad, Barenboim se mostró preocupado por la propagación del antisemitismo en el mundo y afirmó que “en Alemania se trata de un punto especialmente sensible”.

En dicho sentido, también se manifestó en desacuerdo con el argumento de que Alemania ya se ocupó suficiente de su pasado nacionalsocialista y dijo que la nación puede estar orgullosa de cómo encara este pasado.

En el programa del concierto conmemorativo que se realizará el lunes 27 se destacan las piezas “Un superviviente de Varsovia” de Arnold Schönberg, con el barítono alemán Thomas Quasthoff, y la Tercera Sinfonía de Beethoven, a quien Barenboim consideró un símbolo de lo mejor de la cultura alemana pese al abuso de su figura por parte de los nazis.

Las ganancias del concierto se destinarán a los grupos de jóvenes de la República Federal y los países europeos vecinos de la Fundación Auschwitz-Birkenau, para que puedan lidiar con la historia del campo de concentración y exterminio, y fortalecer el sentido de responsabilidad de todos los demás seres humanos en el sentido de valores democráticos y de derechos humanos.