Diego Peretti interpreta a Sergio Garcés, un actor al que se le pasó el cuarto de hora en el cine porno y que en una semana se encuentra entre la espada y la pared en el filme “Inciales SG”.

“El personaje tiene una psicología particular. Es muy extremo y muy porteño en un contexto de mucha pasión futbolística. Eso se mezcla con su fanatismo por la música de Serge Gainsbourg. Todo eso lo ha marcado a él como una posibilidad o una ilusión de ser alguien muy famoso, que no se concretó, pero que sin embargo lo dejó muy marcado. Esto lo lleva a que haya un homicidio y una historia de romance, muy bizarro todo y dentro de una imaginación y un accionar diferente a la normal. Todo eso es ideal para actuar”, explicó a Télam Peretti.

El filme sucede en medio del mundial de Brasil 2014, momento en que los directores se encontraban de paseo por Argentina. La libanés Attieh y el mexicano García quedaron fascinados por el fanatismo argentino por el fútbol y viendo a Peretti en una película en un avión se dieron cuenta de que entre el ambiente y el actor ya tenían el filme.

Además, “Iniciales SG” tiene varios homenajes al cine, como a “Sin Aliento”, de Jean-Luc Godard, que se hace explícito. El personaje de Peretti tiene mucho del de Jean Paul Belmondo y el de Nicholson con el de Jean Seberg; de hecho, se llaman igual.

T: El personaje de Belmondo es un ladrón de poca monta y el suyo es el de un actor sin nada de éxito.
DP: Sí, en realidad ya intentó, la película lo agarra en un declive y circunstancias casuales lo llevan a un final tragicómico, digamos. Esa es la línea por la que va este personaje: tragicómico, patético y cómico por lo patético.

T: La ira es un elemento fundamental de la película y es algo que tampoco reconoce de clases sociales o grupos de pertenencia. El ex jugador de Barcelona Ardan Turán fue condenado la semana pasada por sacar un arma en un hospital en lo que fue un ataque de ira, por ejemplo.
DP: Sí, la ira es como una descarga de energía, como un volcán que como la tierra en algún momento se acomodan las placas y hay una energía que tiene que ser liberada. Depende el fuego que tengas contenido que no hayas podido expulsar, es cómo sale. Es como un terremoto. En el caso de este personaje, podríamos decir que está en una zona de terremoto, le pasan demasiadas cosas en poco tiempo.

T: Es un neurótico también.
DP: Sí, tiene una neurosis muy grande. Cree que está conectado con la suerte que tiene la selección nacional de fútbol en pleno mundial, entonces es como un psicótico que está en el ágora antes de una crisis, si le va bien le va bien, pero está en el abismo. Es un personaje muy porteño.

(El Tinglado, Mario Bravo 948, lunes a las 20)

La obra aprovecha ese juego del absurdo que Dalmaroni impone en sus historias, con una verdadera familia “disfuncional” y la acción situada específicamente en el 19 de julio de 1969, en vísperas de la llegada del hombre a la Luna, contiene un gran malentendido entre un hijo astronauta (Patricio Paz) y sus padres (Patricia Echegoyen y Alfredo Castellani).

El tema es que el muchacho regresa a su casa del barrio de Barracas desde Cabo Cañaveral tras haber sido descartado como acompañante del trío Armstrong, Collins y Aldrin, pero lo hace con el rostro cambiado por una cirugía estética y una valija, donde según parece hay documentos que evidencian razones de seguridad para esa modificación faciales.

Es que corren los tiempos de la Guerra Fría y la competencia entre Estados Unidos y la Unión Soviética por la carrera del espacio, pero los padres prefieren creer que es un simple ladrón que entró en la casa, negándose a bajar la imagen de su propio hijo triunfador, que debe estar sin duda alguna en dependencias de la NASA.

En ese juego de desconfianzas y simulaciones, el recién llegado anuncia que lo que se verá en la pantalla de ese televisor -que recibe al espectador con publicidades de época- no será el descenso de los astronautas sobre el satélite sino una filmación arteramente preparada, mientras el padre y la madre, cada cual por su lado, eligen qué parte de la narración creer.

El director Santiago Doria es un todoterreno que puede conducir delicadezas como “Gertrudis” o “El lindo don Diego”, ambas actualmente en cartel, o ingresar airosamente al sainete criollo con “El conventillo de la Paloma” o “Los disfrazados”, y en este caso repite la enorme virtud de manejar la pieza y a sus criaturas con un esmero admirable.

Dalmaroni y Castellani habían hecho una efectiva dupla en “Vacas sagradas”, porque el primero conoce los resortes de la comedia y el segundo es un comediante formidable, y aquí repiten la hazaña, compartida con Echegoyen, que revela una vis cómica notoria, y con un Paz que pasa del absurdo a la tragedia junto a la pieza, que tiene un elocuente gag verbal al comienzo y termina en una desolación como la que enarbola el título.

(Espacio Callejón, jueves a las 21)

La obra marca un auspicioso debut de Héctor Díaz como autor y director, para describir la maquinaria que utilizan los medios televisivos para elaborar sus historias y fabricar un éxito público.

Hay un autor de teleteatros (Gerardo Chendo) que ofrece ideas a un productor que las desecha (Rubén de la Torre), una secretaria entrometida y con varios secretos (María Inés Sancerni) y otro productor, omnipotente y malhumorado (Javier Niklison) sumidos en la incertidumbre, hasta que aparece una “influencer” adolescente (Luli Torn) que con su dominio de las redes y su impulso adolescente toma inesperadamente las riendas de esas vidas.

Con recursos que por momentos parecen extraídos del cine mudo, Díaz impone a su comedia un tono zumbón, con oídos atentos al habla de cada generación -hay una colaboración autoral y un conato de romance entre el libretista y la joven-, y hace rendir a su elenco del modo más efectivo, con momentos de auténtica hilaridad.

En el acto, que se realizará en la Sala Pablo Neruda del Paseo La Plaza, Corrientes 1660, a las 19, también se entregarán los Premios Argentores de Teatro 2018, categoría Obra de Teatro para Adultos, compartido por Enrique Papatino, por “El viento escribe” y Andrés Gallina por “Los días de la fragilidad”.

En la categoría Obra de Teatro Infantil las elegidos son Alejandro Finzi por “Un oso cruza la frontera”, y Mariano Cossa por ”Chocolate por la noticia” y en Música original para obra de Teatro a Damián Mahler, por “Sidartha. Buscando la verdad”.

En coreografía el ganador es Gustabo Zajac por el musical “El violinista en el tejado” en tanto habrá una distinción a Mercedes Fernández por su “larga y calificada trayectoria en el mundo de la coreografía” y al conductor y periodista Víctor Hugo Morales por su “constante apoyo y estímulo al teatro independiente”.

En materia de radio los ganadores son Ruben Stella, categoría Glosas, por “Mi refugio”; Roberto Quirno, categoría Microprograma, por “Espectaculos”; Silvina Damiani, categoría Documental, por “Tango Radio Club” y Migue Granados y Martín Garaba, categoría Humor, por “Últimos cartuchos”.

También de radio serán premiados Ricardo Carrizo, en categoría Ficción por “Romance del éxodo”, Radio 10 en categoría Artística y finalmente la Distinción de Radio será para María O’Donnell, por jerarquizar el periodismo de autor.

Los premios Argentores de Cine 2018 son para Agustín Toscano, por el Guión Original de Ficción de “El motoarrebatador”; Lola Arias, por el Guión Adaptado de “Teatro de guerra”, según su pieza “Campo minado”, y Daniel Rosenfeld, por el Guión Documental de “Piazzolla, los años del tiburón”, así como se entregará una Distinción de Cine al documental “El umbral”.

En cuanto a televisión, los premios son para Silvia Tamara Frejdkes, Ernesto Korovsky, Sebastián Ortega, Alejandro Rodrigo Quesada, María Sol Rodríguez, Javier Rozenwasser y Martín Vatenberg, por “100 días para enamorarse”, en la categoría Telenovela Episódica y Guillermo Salmerón, Silvina Olschansky, Andrés Pascaner, Nicolás Marina e Israel Caetano, por “El marginal 2”, categoría Unitario.

La lista termina con Marcos Pablo Gorbán, Mario Javier Borovich, Victoria Silvia Bornaz y Luciana Rodríguez Dacunto, por “#Marcha”, en la categoría Documental; Verónica Muriel Lorca, por “La Culpa es de Colón–Edición mujeres”, en la categoría Sketch, mientras que la Distinción de Televisión es para “Buenos Aires Web Fest”.

La Joven Guarrior, orquesta que encuentra en la teatralidad un modo de profundizar el relato que construye desde las canciones, presentará una renovada puesta de “A lo lejos sonaban disparos”, que pasea la realidad social y otras historias por distintos géneros musicales, los miércoles de agosto y septiembre en El Galpón de Guevara.

Este cuarto álbum, sucesor de los acústicos “Las Invasiones Inglesas” (2013), “La conquista del desierto”, (2010) y “Semana Santa” (2008), y devenido en pieza teatral, se estrenó en junio de 2018 en el teatro Margarita Xirgu con un magnífico despliegue selvático y tuvo una segunda cita en diciembre, a sala llena, en el Centro Cultural 25 de Mayo.

Con este nuevo trabajo, la orquesta no solo da a conocer un sonido más eléctrico sino también una postura más reflexiva: “La revolución feminista nos obligó a revisar chistes, a hacernos cargo de nuestro rol y abrir el espacio para la expresión de las disidencias y visibilización de colegas mujeres que no tienen el lugar que merecen. Hoy no hay nada de contracultural en tener una banda de varones, pero hacemos lo nuestro honrando la profesión”, apuntó Gonzalo Gamallo.

Con un espíritu edificado sobre el lenguaje poético y el humor, la espacialidad de los cuerpos y disfraces, la orquesta dio a conocer dos nuevos sencillos: “Carteles”, un reflejo del ánimo social, y “El blues del indeciso”, sobre la gente que va contra sus intereses.

La familia Guarrior se completa con Juan Isola, Alfredo Gadyi, Bernardo Fay, Lucio Margiotta, Iván Tkcahuk, Hernán Schnaider, Francisco Pages, Eduardo Baeza, Andrés Fayó, Nicolás Petrungaro, Facundo Livio Mejias y Rodrigo Clavell.

T: ¿Por qué dejaron de lado el sonido acústico?

Gonzalo Gamallo: Fue una manera de renovarnos y encontrarnos en otro lugar con la misma gente. Los artistas necesitan estímulos para crear y el nuestro fue cambiar la ropa. Buscamos nuevas maneras de expresarnos. Perdió el sentido ser un proyecto intimista porque fuimos llevando más gente a los recitales, siendo más músicos y tocando en lugares más grandes. Nos encontramos tocando la guitarra criolla como si fuera eléctrica, veníamos de una etapa muy pura y con sonidos orgánicos y ahora somos más contundentes. La esencia de esta banda siempre fue la mutación y el cambio.

T: Pasó un tiempo entre el lanzamiento y la presentación del álbum…

GG: Son las vicisitudes de producirse a uno mismo. Tenemos que aprender a hacer todo, y lo hacemos porque no nos queda otra. Somos independientes porque no tuvimos la posibilidad de elegir, no existió el sello que viene y te mueve, no sé si es porque somos la generación post-Cromañón o por la mercadotecnia actual. Tal vez no seamos interesantes desde ese punto de vista. Ya van doce años de trabajo y para nosotros es muy importante mantenernos juntos, el éxito pasa por ese lado.

A lo largo de alrededor de una hora y media de concierto y apoyado en una banda compuesta por batería, bajo y teclados, el guitarrista y cantante hizo gala de su depurado estilo, que no sólo abreva en los sonidos provenientes del río Mississippi, sino que además da cuenta de las lecturas británicas de este estilo.

En este sentido, Cray hace gala de un modo de tocar la guitarra y un tono de voz que muestran una notable influencia de Eric Clapton y Steve Winwood, aunque también salda cuentas con estilos ligados a la tradición negra como el soul y el boogie, entre otros.

En un show que fue ganando en intensidad a medida que fue avanzando, el músico oriundo de Georgia ratificó que se trata de un notable guitarrista que no sólo se limita a tocar bases rítmicas y solos en los espacios en los que no canta, sino que apela a diversos fraseos que suplen la presencia de otra guitarra.

Pero además, Cray dejó en claro que es un cantante que, a la altura de las grandes voces del género, es capaz de moverse en un amplio rango, de acuerdo al clima de cada pasaje musical.

El artista estadounidense contó con una notable banda de apoyo que se fue soltando con el correr del show y pasó de mostrarse como una confiable base a dar paso al vuelo personal de cada uno de sus integrantes.

Con la interpretación de “I guess I showed her”, “The same love that made me laugh”, “Poor Johnny” o “You’re everything” el concierto tuvo un arranque un tanto monocorde y con algunos problemas de sonido.

Sin embargo, con canciones como “You had my heart”, “I shiver” y “I can’t fail” comenzó a insinuarse un cambio que cristalizó en la soberbia interpretación de “Enough for me”, en donde la banda lució a pleno, con cambios de ritmos y solos de teclados.

Como una suerte de efecto contagio, con el sonido totalmente acomodado, tanto las interpretaciones de Cray, que hasta allí transitaban por un carril de previsibilidad, como las del resto de la banda dieron probadas muestras de imaginación y virtuosismo.
“Aspen”, “Just how low”, “Right next door” y “Forecast calls for pain” resultaron una irresistible seguidilla que pusieron al público que colmó el Vorterix cara a cara con lo mejor de la tradición musical negra.

Pero lejos de caer en la obviedad de mantener al público encendido a partir de composiciones con altos tempos, Cray siguió jugando con los distintos climas en los bises con “Nothing but a woman” y “Times take two”.