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Espectáculo

Diez películas inspiradas en la obra de Cortázar

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La cifra impar

Manuel Antín / 1962 / Argentina

 Ópera prima del director argentino referente de la generación del 60, que dedicó tres de sus primeras cuatro películas a la obra de Cortázar. “La cifra impar” es una adaptación del cuento “Cartas de mamá”, incluido en “Las armas secretas”, publicado en 1959.

La historia transcurre entre la capital francesa y la argentina. En París, la pareja de Luis (Lautaro Murúa) y Laura (María Rosa Gallo) convive con el perturbador recuerdo de Nico, fallecido hermano de Luis y que tiempo atrás fuera pareja de Laura. Desde Buenos Aires llegan con frecuencia las cartas de la anciana madre de Luis (Milagros de la Vega), hasta que en una de ellas menciona a Nico y su deseo de viajar a París.

Al cuento original, el guión de Manuel Antín y Antonio Ripoll incorpora una profunda lectura psicológica de los personajes que en su evolución roza lo fantástico, impulsada por la culpa ante el desafortunado destino de Nico, y una saludable variedad de recursos cinematográficos. Gran parte de la película fue rodada en el barrio latino de París, ciudad en la que vivió Cortázar. Pero el primer contacto entre el autor y la película se dio poco después en Buenos Aires durante una proyección previa al estreno. Suele considerarse a La cifra impar como la mejor de las adaptaciones cinematográficas de la obra de Cortázar, aunque su prestigio se consolidó con posterioridad. Al rechazo de la crítica de la época, que tildaba a la película de “afrancesada” y carente de argentinidad, la respuesta más positiva vino del propio Cortázar, quien colaboró con Antín en las siguientes películas. Ver ficha.

Cortázar
Circe

Manuel Antín / 1964 / Argentina.

En 1951 Julio Cortázar publicó “Bestiario”, libro de cuentos al cual pertenece “Circe”, relato que rescata a la hechicera homérica que por única vez se enamora de Odiseo.

Escritor y director dieron forma al guion a partir del intercambio de cartas y de cintas, previo encuentro en el Festival de Cannes. Parte importante de esta correspondencia fue publicada recientemente en el Tomo I de “Cartas de Cortázar” por Editorial Alfaguara.

Así como en el cuento, en la película el personaje de Circe se llama Delia (Graciela Borges). Se trata de una joven que carga con el peso de haber visto morir a sus dos novios, uno por un síncope y otro por un suicidio. Ahora ha aparecido un tercero (Alberto Argibay), quien intenta desentrañar las misteriosas conductas de Delia y liberarla de su predestinación.

Aquí es donde aparecen las propuestas visuales propias de una adaptación cinematográfica: las costumbres que el personaje practica en el cuento son reemplazadas por elementos que forman parte de la puesta, como rejas, espejos y persianas, objetos que simbolizan el encierro interior de Delia. Al igual que en “La cifra impar”, la muerte de los amores pasados marca el pulso de los actos del presente y nuevamente es el perfil psicológico del personaje el motor de la película. Ver ficha.

“La cifra impar”
El perseguidor

Osias Wilenski / 1965 / Argentina.

Para la misma época en que Antín realizaba sus películas, otro director argentino, Osias Wilenski, realizaba su ópera prima “El perseguidor”, versión del cuento inspirado en el saxofonista Charlie Parker y que forma parte de “Las armas secretas” (1959).

Narra el proceso autodestructivo de un músico de jazz llamado Johnny, entregado a las drogas, el alcohol y al destrozo de sus relaciones afectivas. El personaje principal fue interpretado por Sergio Renán.

“El perseguidor” tiene sus defectos: es una película raramente elogiada y cuya persistencia se debe más que nada al cuento de Cortázar. El guión se entorpece por la inserción de frases contundentes (manchones de la pluma del guionista Ulises Petit de Murat, sobreviviente del cine gauchesco argentino).

Entre sus virtudes está la creación de ambientes sombríos, desgastados, escenarios que bien pueden hallarse en una ciudad como Buenos Aires y es por eso que, con algo de distancia, este filme vale como un buen ejemplo de las búsquedas estéticas del cine argentino de los 60. Poco después de su estreno, la película fue secuestrada por la justicia debido al reclamo del padre Zulma Faiad, quien había hecho un desnudo siendo menor de edad.

Pero lo más sobresaliente tiene que ver con la banda sonora. Al momento de dar su opinión, Cortázar solamente se mostró satisfecho con la música compuesta por Rubén Barbieri y ejecutada por Leandro “El Gato” Barbieri. El asunto es que también hubo un prolongado conflicto con el pago de los derechos de autor por lo que Cortázar nunca simpatizó con la película de Wilenski. Ver ficha.

“Circe”
Intimidad de los parques

Manuel Antín /1965/ Argentina-Perú.

Julio Cortázar no estaba muy convencido de realizar la que fue finalmente la última película de Antín en torno a su obra. Se trata de una adaptación en simultáneo de “El ídolo de las Cícladas” y “Continuidad de los parques”, cuentos que formaban parte de “Final de juego” (1956).

Fue rodada en Lima, Cuzco y las ruinas del Machu Pichu. Precisamente, uno de los aspectos que no agradaban a Cortázar era el escenario elegido, en vista de que sus cuentos hacían referencia a la Antigua Grecia. En palabras de Antín: “Contra la voluntad de Cortázar adapté el mármol a la piedra. Me pareció que Machu Pichu era la Grecia de Latinoamérica”.

La historia plantea un triángulo amoroso entre Teresa (Dora Baret), su marido Hector (Paco Rabal) y su ex amante Mario (Ricardo Blume), con quien la mujer había conocido las ruinas de Machu Pichu durante un viaje de estudios, experiencia que desembocó en el hallazgo de una estatuilla que influyó en las conductas de Mario. Los roles entre los personajes quedarán establecidos: Mario representa lo espiritual, mientras que el aspecto más terrenal corresponde Héctor y Teresa es el nexo entre estos dos mundos.

Antín siempre reconoció que el hermetismo de su propuesta alejó a Intimidad de los parques del público. Fue, de hecho, la menos vista de sus tres películas sobre Cortázar. Ver ficha.

“El perseguidor”
Blow up

Michelangelo Antonioni / 1966 / Italia-Gran Bretaña.

La más conocida de las adaptaciones. El director italiano ya gozaba de una alta reputación en el panorama cinematográfico europeo y “Blow Up” fue su primera experiencia fuera de su país, rodada pocos años después de la publicación de “Rayuela”.

Se trata de una adaptación de “Las babas del diablo”, correspondiente al libro “Las armas secretas”. Es la historia la de un fotógrafo de modas (David Hemmings) que al ampliar unas fotos descubre las pistas de un asesinato y se obsesiona con el hecho, a tal punto de aislarse de su vida cotidiana en su afán de develar el misterio. Este hallazgo en blanco y negro se contrapone a un mundo colorido, las modas juveniles y una cultura pop de los sesenta, si se quiere superficial, pero real al fin.

Es la búsqueda de una realidad que trascienda lo que se ve a primera vista lo que vincula directamente a “Blow Up” con el cuento, aunque Cortázar aclaró que nunca encontró en ella una conexión precisa.

Una colorida anécdota contada por Cortázar da cuenta de ello: “Italo Calvino, que es amigo mío, le escribió una vez un libro a Antonioni. Cuando llegó el momento de filmarlo, Italo descubrió que lo único suyo que había quedado era el tucán. Después supo por Mónica Vitti que le gustaba mucho la idea del tucán.” Ver ficha.

“Intimidad de los parques”
Weekend

Jean-Luc Godard / 1967 / Francia.

No se trata propiamente de una adaptación sino de una cita, aunque bastante extensa y con cierto peso dentro de la historia.

Aunque no exista constancia de intercambio alguno entre Cortázar y Godard, se da por sentado que el cuento al que hace alusión el inicio de la película es “La autopista del Sur”, publicado un año antes, relato que tendrá una adaptación más literal algunos años después con “Il grande atasco”, de Luigi Comencini.

Todo arranca con un idílico paseo al campo de un grupo de burgueses que prontamente se transforma en una sucesión de situaciones desagradables, empezando por un descomunal embotellamiento en la ruta provocado por un accidente fatal. Es esta famosa escena realizada mediante un extenso travelling la que hace referencia a “La autopista del sur”.

Claro que en su desarrollo el cuento de Cortázar ofrece mucho más, a medida que el embotellamiento se prolongue y surja una miniatura de la sociedad moderna. Algo de esto se insinúa en “Weekend”, porque entre bocinazos e insultos, algunos ya han empezado a entretenerse al borde de la carretera. Ver ficha.

“Blow up”
El gran embotellamiento

Luigi Comencini / 1979 / Italia.

Es la adaptación casi literal de “La autopista del sur”, el mismo que fuera abordado de manera parcial por Godard. En ninguno de los dos casos aparece Cortázar acreditado en los títulos de presentación.

Se trató de una película orientada claramente al público europeo en general, un tipo de producción muy frecuente en los 60 y 70 que intentaba contrarrestar el dominio del cine angloparlante. De allí que el reparto incluyera a figuras de varios países, empezando por los italianos Alberto Sordi, Marcello Mastroianni y Ugo Tognazzi, los españoles Fernando Rey, Angela Molina y José Sacristán y los franceses Gerard Depardieu y Annie Girardot.

La cantidad de nombres con que se presentó la película (“L ́Ingorgo”, “Una historia impossible”, “Il grande atasco”), aún en la misma Italia, responde a esa premisa.

La historia da cuenta de un gigantesco embotellamiento en la ruta que conduce a Roma. La prolongación del mismo irá sometiendo a los personajes a diversas situaciones hasta resquebrajar los pilares de la conducta humana. Habrá una pareja que se separa, un hombre que muere por falta de asistencia médica y una violación, secuencia particularmente desagradable debido a la indiferencia de los demás personajes y que es la única que se aparta del tono de comedia que presenta la película.

La gran diferencia con el cuento original está en la elección del foco de atención. Mientras Cortázar se centra en las acciones, la película lo hará en los personajes. Cabe recordar, además, que en el cuento las personas son identificadas por el modelo de sus automóviles. Ver ficha.

“Week-end”
Jogo subterrâneo

Roberto Gervitz /2005 / Brasil.

El cuento “Manuscrito encontrado en un bolsillo” forma parte del libro “Octaedro” (1974). En primera persona, cuenta la historia de un hombre que practica un juego que consiste en establecer una ruta dentro de la red del metro de París. Si durante el trayecto encuentra una mujer que coincide con este trazado, él se otorga el derecho de abordarla.

La cinta brasileña toma esta idea como punto de partida, y la aprovecha para redondear una buena ficción acerca de la soledad en las grandes ciudades. La red de subterráneos parisina es reemplazada por el menos glamoroso metro de San Pablo. Dato no menor, se trata de una ciudad realmente multitudinaria y, a diferencia del cuento de original, gran parte de la película se desarrollará sobre la superficie.

El personaje principal es un pianista, Martín, cuyas probabilidades de éxito en el juego son remotas: o la ruta elegida por la mujer no coincide o es rechazado por temor. Aún así, Martín tendrá sus oportunidades, primero la madre de una niña autista y luego una escritora ciega. Finalmente una mujer despierta su interés y él la seguirá transgrediendo las reglas del juego. La elegida resulta ser una prostituta que intenta escapar de sus explotadores.

A esta altura, poco y nada queda del cuento de Cortázar a excepción del nombre de unos de sus personajes: Ana. Ver ficha.

“Le grand embouteillage”
Mentiras piadosas

Diego Sabanés / 2008 / Argentina.

Entre las adaptaciones más recientes, sobresale esta película realizada por el debutante Diego Sabanés con un magnífico elenco en el que figuran muchos nombres más conocidos por su labor teatral, como Marilú Marini, Claudio Tolcachir y Rubén Szuchmacher.

Se trata de una adaptación del cuento “La salud de los enfermos”, en la que también se reconocen varios elementos de otros textos de Cortázar pertenecientes al libro “Todos los fuegos el fuego” (1966).

La historia transcurre en la intimidad de una familia burguesa. Pablo ha partido a París para probar suerte como músico. Pasa el tiempo y no hay noticias de él, lo cual comienza a preocupar a su madre. Temiendo por su salud, sus otros dos hijos escriben falsas cartas y envían regalos. El plan involucra a otros miembros de la familia y a la novia de Pablo, que es instada por Mamá a apresurar los preparativos de la boda para forzar el regreso de su novio. El montaje de una gran mentira tiene sus costos, pronto aparecerán las deudas y el desmantelamiento de los bienes familiares. Y lo más importante, o lo más cortazariano, es que todos los involucrados irán perfeccionando sus roles hasta acomodarse a esta construcción ficticia.

“Mentiras piadosas” es una película recomendable en todo sentido. Ofrece una audaz apropiación de la literatura de Cortázar, un guion depurado en base a inteligencia y creatividad, todas las interpretaciones son de alto nivel y la ambientación que supera por mucho a otras películas más costosas del cine argentino. Debe considerarse que la historia está situada en los años 50 y que se trató de una producción de bajo presupuesto. Ver ficha.

“Jogo subterraneo”
Diario para un cuento

Jana Bokova / 2008 / Argentina-España.

En 1983 Julio Cortázar publicó su último libro, “Deshoras”, del que forma parte “Diario para un cuento”. Es un complejo relato en el que el autor recupera vivencias algo dispersas de los primeros años 50, época en la que siendo muy joven vivía en Buenos Aires, con el recuerdo de un amor postergado en un primer plano.

Quien haya leído este cuento difícilmente pueda imaginar una adaptación cinematográfica. Pero se hizo y muy bien.

El derrotero de la directora checa Jana Bokova merece ser citado. Durante la Primavera de Praga (1968) dejó su país, vivió y se formó en Londres y París y a mediados de los ochenta llegó a la Argentina para realizar una serie de excelentes documentales para la BBC de Londres sobre el tango y el folclore argentino.

Su primer largometraje en nuestro país fue acaso el único en tener a Cortázar como personaje principal, aunque éste se presente con el nombre de Elías, interpretado por Germán Palacios.

Las señas particulares y los gustos de Cortázar son inconfundibles, algunos tomados textualmente del cuento y otros directamente del mundo cortazariano. Así aparece su pasión por el jazz, por Carlos Gardel, por los poetas ingleses, su admiración por Bioy, la época en la que trabajaba como traductor y el futuro escritor que observa a un chico jugando a la rayuela y que finalmente marcha a París.

Elías/Julio Cortázar pasa buena parte de sus horas en un burdel. Allí conoce a varios personajes, entre ellas a las prostitutas que le piden la traducción de las cartas de sus novios extranjeros. Con una de ellas tendrá un romance, la Anabel del cuento original. También habrá un romance con una mujer burguesa y un asesinato que lo salpicará hasta que decida dejar la Argentina, justo al momento de la muerte de Eva Perón.

Puede ser que la película esté muy al borde del estereotipo porteño (puerto, prostitutas, salones, tango en demasía, Eva Perón), pero seguramente la directora checa siente que ella tiene algo en común con el Cortázar de aquellos años, y es la sensibilidad del recién llegado. En el tema de las adaptaciones, lo mínimo que se le puede pedir a un cineasta es que se apropie de la obra original, que la incorpore a su universo. Y para reforzar esta idea, el joven Julio es tratado por muchos lugareños como “un extranjero”. Y en gran parte lo era. Ver ficha.

“Mentiras piadosas”

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Cumple 80 años Palito Ortega, el hombre que alcanzó el sueño de ser “Rey”

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Este lunes 8 de marzo cumple 80 años Palito Ortega, uno de los máximos referentes de la cultura popular, a partir de una exitosa carrera como cantante, que trajo aparejada una prolífica y redituable incursión en el cine, pero que además extendió su dominio hacia la producción artística y la política nacional en el más alto nivel.

Nacido en Lules, Tucumán, Ramón Bautista Ortega fue nombrado “Rey de la Canción” por la industria a partir de una interminable catarata de hitos populares como “La felicidad”, “Yo tengo fe”, “Despeinada”, “Sabor a nada”, “Decí por qué no querés” y “El changuito cañero”, por citar apenas un puñado entre decenas.

Pero su imagen también se propagó en los años `60 por la pantalla de televisión, al erigirse como una de las principales atracciones de “El Club del Clan”, un envío en el que un grupo de jóvenes intérpretes, entre los que estaban Johnny Tedesco, Nicky Jones, Violeta Rivas y Chico Novarro, entre otros, entonaban canciones de estribillos pegadizos.

Y a partir de finales de esa década y a lo largo de la siguiente, el intérprete mantuvo una constante presencia en la pantalla grande, con más de 30 películas aptas para todo público, primero como actor y, más adelante, como productor y director, con títulos como “La sonrisa de mamá”, “Mi primera novia”, “Los muchachos de mi barrio” y “Un muchacho como yo”, entre otros.

Pero el nombre de Palito Ortega también concentra hitos como la llegada al país de Frank Sinatra, con los subsiguientes relatos cuasi-épicos que dan cuenta de la reconstrucción del ídolo local luego del rotundo fracaso económico que le significó esta empresa; la cual tuvo su punto culminante con una fulgurante carrera política.

Así se convirtió en gobernador de su provincia en 1991, fue designado más adelante Secretario de Desarrollo Social por el entonces presidente Carlos Menem, secundó en la fórmula presidencial en 1999 a Eduardo Duhalde, pero sobre todo se ubicó a lo largo de esa década entre los nombres que sonaron presidenciables para el Partido Justicialista, junto a otro advenidizo como el automovilista Carlos Reutemann.

Sin embargo, Palito fue “Rey de la Canción” a pesar del pobre valor estético de sus composiciones, con melodías simplonas y letras en las que subyacen arraigados valores conservadores, que permiten una fácil llegada al público masivo; fue un prolífico y exitoso actor y director de cine, aunque sus filmes se caracterizaban por sus personajes caricaturescos y sus historias convencionales; y se mantuvo en lo alto de la política nacional, más allá de sus escasos logros concretos de gestión y los muchos cuestionamientos.

Acaso su innegable buena estrella esté ligada a una mezcla de perfil ideal para ofrecer un producto artístico inocuo pero efectivo, que permitía reproducir los valores más tradicionales de la sociedad a las clases populares; y a una evidente astucia para olfatear qué camino tomar para ganarse el cariño de la gente y las palmadas de la industria.

Su última gran movida en este sentido fue el rescate vital que hizo de Charly García en plena crisis por sus adicciones, lo que le generó un respeto de gran parte de la comunidad rockera, que siempre lo había despreciado por considerarlo el símbolo de la llamada “música complaciente”, enemiga principal del rock local; y además le permitió relanzar su carrera como intérprete.

Palito Ortega se crió en la absoluta pobreza, debió trabajar desde muy chico y sufrió el abandono de su madre. Con apenas 14 años, se trasladó a Buenos Aires y, entre otras labores, se empleó como cafetero, una actividad que eligió realizar en la puerta de canales de televisión y radio, de manera que pudiera codearse con las figuras que admiraba.

Así logró colarse en emisoras en donde pudo comenzar a mostrar sus canciones hasta que llegó el gran salto y la coronación como “Rey” en la troupe de “El Club del Clan”, un fenómeno que inundó los hogares argentinos y presentó un ideal de juventud, despolitizada y concentrada en divertirse “sanamente” antes de seguir inexorablemente el destino de sus padres.

Esas características le valieron el mote de “música complaciente” por parte del sector juvenil nacido al calor del hippismo, que venía a cuestionar los poderes establecidos; sin embargo, esto no impidió su éxito en amplios sectores de la sociedad.

Como indicaba la moda de aquella época, los ídolos juveniles debían replicar ese éxito en el cine y Palito Ortega, junto con Sandro, fueron quienes mejor aplicaron esta lógica, aunque el tucumano fue mucho más prolífico y se aventuró a crear Chango, su propia productora.

Como director, registró títulos polémicos como “Brigada en acción” y “Dos locos en el aire”, que le valieron la acusación de colaboracionista de la dictadura militar gobernante; algunas comedias familiares como “Vivir con alegría” y “¡Qué linda es mi familia!” –que marcó la despedida de Luis Sandrini y Niní Marshall-; y otras como “El tío disparate”, “Las locuras del profesor” y “Locos por la música”, protagonizadas por Carlitos Balá.

Fue grabando “Mi primera novia” en donde conoció a Evangelina Salazar, con quien se casó en una mediática ceremonia y tuvo seis hijos. Años después, ella abandonaría su carrera artística para dedicarse a la crianza de sus hijos. El matrimonio perdura y es uno de los más estables de la farándula local.

En 1981, Palito se asoció al empresario Ricardo Finkel y cumplió el sueño de traer a la Argentina a Frank Sinatra. La operación resultó un desastre económico debido a una recordada disparada del dólar, pero logró reconstruirse en Miami, ayudado por “La Voz”, en un período sobre el que abundan extrañas e incomprobables versiones.

El regreso al país en los principios de los `90 fue en su faceta política al ganar la Gobernación de Tucumán e impedir la llegada al poder por vía democrática del genocida Antonio Bussi. Pero la gestión de Palito osciló entre la ola privatizadora de la época y algunas denuncias de irregularidades en estos procesos.

La derrota electoral a nivel nacional en 1999 de la fórmula en la que secundaba a Duhalde, ante Fernando de la Rúa, puso fin a su carrera política.

La última gran estratagema del tucumano en su vida fue ayudar incondicionalmente a Charly García. Los rockeros que lo defenestraron –la canción “Cantorcito de contramano”, de León Gieco es una muestra de ello- terminaron aceptándolo por esta acción. A los 80 años, Palito se da el lujo de editar discos por una importante discográfica y ya nadie lo acusa de “complaciente”. Ahora sí, el reinado es total.

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Con una Gala Lírica y el recital de Parodi-Prada, terminan los Atardeceres de Tecnópolis

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Tecnópolis despedirá la temporada de verano de sus Atardeceres con una programación especial de fin de semana en la que destacan la Gala Lírica de una decena de cantantes en el Espacio Arco con la Orquesta Estable del Teatro Argentino de La Plata dirigida por Carlos Vieu (elvsábado a las 19) y el recital “Juntas” de las trovadoras Teresa Parodi y Ana Prada, dos relevantes voces de la música popular rioplatense (el domingo a las 20).

La novena semana de actividades en el parque temático público y gratuito incluirá el domingo y en conjunto con el Ministerio de las Mujeres, Géneros y Diversidad de la Nación y el Ministerio de Cultura de la Nación la jornada de cierre de la segunda edición de “Nosotras movemos el mundo” que en el marco del Día Internacional de la Mujer Trabajadora propone el reencuentro de las mujeres y LGBTI+ con una agenda diversa de actividades culturales gratuitas.

En ese contexto habrá espectáculos como “Las sobrinas feministas de María Elena”, un homenaje a María Elena Walsh a 10 años de su fallecimiento por la Compañía Entramadas, mujeres por una poética propia (a las 19).

A las 20 se ofrecerá el recital a cargo de Tita Print y en el espacio de cine al aire libre se proyectará “Una banda de chicas”, de Marilina Giménez, con música en vivo por Ibiza Pareo, entre otras atracciones.

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Cómo construyen la mirada de género las señalas públicas Encuentro, Pakapaka y Cont.ar

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Canal Encuentro, la señal infantil Pakapaka y la plataforma pública y gratuita Cont.ar preparan una programación especial desde el lunes 8 de marzo para conmemorar el Día Internacional de la Mujer, a partir de series, películas. microprogramas, cortos y nuevas propuestas.

“Las mujeres estamos ocupando lugares de decisión en la generación de políticas públicas; la perspectiva de género no puede ser un compartimento estanco, tiene que atravesar todos los esquemas de decisiones: artísticas, de producción, de conducción de los equipos de trabajo”, expresó a Télam Jesica Tritten, gerenta general de Contenidos Públicos SE, en el marco del 8M venidero.

La funcionaria, responsable de las señales públicas, educativas y culturales Encuentro, Pakapaka, DeporTV y Cont.ar, habló con esta agencia acerca de esta grilla especial dedicada a todas las mujeres, el rol pedagógico que tienen estos canales en el tema de género y también sobre la responsabilidad que implica para ella estar al frente de estos espacios relevantes en la construcción de un imaginario colectivo.

Entre las propuestas que se emitirán desde el lunes próximo y continuarán toda la semana se destaca el estreno en Canal Encuentro “Electas. Mujeres en la política”, una serie original de Brasil que narra los avances y las dificultades de la vida política de las mujeres.

“La perspectiva de género no puede ser un compartimento estanco, tiene que atravesar todos los esquemas de decisiones: artísticas, de producción, de conducción de los equipos de trabajo””

“Además –indicó Tritten-, estarán los microprogramas ‘Nosotras movemos el mundo’, en una coproducción con el Ministerio de las Mujeres, Géneros y Diversidad; y en un trabajo en conjunto con la Red Tal, también se podrá visualizar ‘Mujeres Latinoamérica’, una serie de microprogramas que fueron coproducidos entre 13 televisoras públicas de América Latina”.

Tritten también resaltó que la señal infantil Pakapaka, por su lado, presentará una serie de micros realizados por niñas junto a la Secretaría Nacional de Niñez, Adolescencia y Familia (Senaf).

En el marco de la campaña, el próximo lunes se estrenará, por la pantalla de Pakapaka, el clip musical en el que un grupo de niñas cantan y bailan la canción “Nosotras inventamos el mundo”, compuesta por los equipos de Pakapaka y la Senaf y musicalizada por la Negra Chávez.

La funcionaria agregó que “habrá también un espectáculo que se tituló el espectáculo ‘Mujeres y niñas mueven e inventan el mundo’ donde se proyectarán por primera vez dos nuevos episodios de ‘La asombrosa excursión de Zamba al Centro Cultural Kirchner’, en los que son protagonistas dos referentes fundamentales de nuestra cultura: María Elena Walsh y Mercedes Sosa”.

Tritten tiene formación e historia en estos espacios: participó en el Programa de Medios Audiovisuales del Ministerio de Educación, fue directora de Contenidos y Programación de Encuentro y directora general del Polo Educativo de Educ.ar, entre otros roles.

Télam: ¿Dónde se hizo foco a la hora de armar está programación especial por el 8M en Encuentro, Cont.ar y Pakapaka?
Jesica Tritten: Esta programación fue realizada con el foco en rendir homenaje a las mujeres trabajadoras. Nos parece muy importante y fue una preocupación siempre, desde el surgimiento de Canal Encuentro, otorgar una mirada federal, inclusiva, política a los diferentes colectivos de mujeres. En este contexto, fue muy importante contar con realizaciones de directoras mujeres de gran trayectoria, como en el ciclo Bitácoras, de Cont.ar; con los cortometrajes de Albertina Carri, Natalia Smirnoff, Julia Solomonoff, Laura Citarella, María Alché. También en el preestreno de tres películas que fueron filmadas en 2020 y sin estreno comercial aún, de Paula Hernández, Sandra Gugliotta y Florencia Wehbe.

T:¿Dónde reside la importancia de los contenidos públicos en temáticas tan sensibles como es el Día Internacional de la Mujer y todo lo que conlleva en los tiempos que vivimos?
JT: En el caso de la señal infantil Pakapaka, por ejemplo, estos contenidos son muy importantes porque formarán parte de una campaña con diversas acciones que se irán publicando en las redes sociales tanto de Pakapaka como de la Senaf. Se trata de una campaña que se proponer invitar y alentar a las chicas de todo el país a participar a través de sus opiniones, sus voces y sus diversas maneras de expresar sus deseos y sus formas de inventar el mundo. En el caso de “Un mapita”, promovemos la inclusión de las niñas músicas de todo el país junto al Centro Cultural Kirchner, un proyecto donde las chicas tienen la posibilidad de expresarse a través de la música, con la fuerza de su propia voz. En Pakapaka se estrenará con el nombre de “Nosotras movemos el mundo con música”. Se trata de niñas que cantan y tocan instrumentos desde hace tiempo y que provienen de lugares tan diferentes como La Plata, Villa Elisa, Burzaco, Chascomús y la Ciudad de Buenos Aires.

T: ¿Cómo vivís este presente como mujer y la responsabilidad que implica estar al frente de estas señales públicas?
JT: Es una gran responsabilidad y un gran orgullo formar parte de estas señales educativas y culturales. En nuestra gestión, la mayor parte de los cargos jerárquicos de Canal Encuentro, Pakapaka y DeporTV están a cargo de mujeres y ese es un paso muy importante en la mirada que queremos imprimir a las pantallas de los medios públicos, no sólo por los cupos sino porque las mujeres queremos ocupar lugares de decisión en la generación de políticas públicas. La perspectiva de género no puede ser un compartimento estanco, tiene que atravesar todos los esquemas de decisiones: artísticas, de producción, de conducción de los equipos de trabajo. Ya lo dijo el Presidente en la Asamblea Legislativa: así como hicimos de la Memoria, Verdad y Justicia una política de Estado y una política de la sociedad, este tiempo nos tiene que encontrar generando el mismo trabajado para las políticas de género. Nuestras señales educativas tienen un rol fundamentalmente pedagógico en este tema. Se propulsa de manera constante la participación y la capacitación de las y los trabajadores, uno de los objetivos principales es que haya un futuro de paridad entre todos los equipos técnicos, administrativos, de producción y contenidos de las señales. Además, este año se implementó una reglamentación para el trabajo de las casas productoras que el 50 por ciento de las producciones audiovisuales tengan, en sus equipos técnicos, a mujeres. Estas casas productoras que nutren, de manera constante, los contenidos audiovisuales de las señales educativas y culturales, quienes deberán contar, a partir de ahora, con una nueva disposición relativa a la paridad de género en la conformación de sus equipos.

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Lali Espósito, nominada como “artista social del año” en los Latin American Music Awards

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La cantante y actriz argentina Lali Espósito fue nominada en la categoría “artista social del año” para la 6° edición de los Latin American Music Awards, que se celebrarán el próximo 15 de abril , en el BB&T Center de Sunrise, Florida.

El reconocimiento llega en momentos en que la intérprete espera el estreno de “Sky Rojo”, la nueva serie original de Netflix que protagoniza, previso para el 19 de este mes; y poco después del lanzamiento de “Libra”, su nuevo disco.

Precisamente, las 33 millones de reproducciones en plataformas digitales de su música a nivel global y su intensa presencia en las redes fueron los principales impulsores de esta nominación.

Los Latin American Music Awards podrán verse a través de la cadena Telemundo, en tanto que los fans pueden votar por a sus favoritos a través del sitio LatinAMAs.com/vota.

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Drexler y Calamaro en videoclip doble de Tangana, rey de la música urbana española

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Los rioplatenses Andrés Calamaro y Jorge Drexler son protagonistas desde el lunes de un boom en YouTube al participar del video doble del rey español de la música urbana C Tangana, que unificó en un mediometraje las canciones “Nominao” y “Hong Kong”.

Ambas canciones forman parte del esperado nuevo disco de Tangana, “El madrileño”, y están caracterizadas por un fuerte minimalismo instrumental. “Nominao” tiene una letra que habla del miedo al fracaso y “Hong Kong” sorprende por su final, muy rockero, además de que tiene un guiño a “Mil horas”, el clásico de los Abuelos de la Nada.

Dos canciones y dos colaboraciones, que nacieron por separado y ahora se juntan en un par de videoclips que en realidad son como una miniserie de dos capítulos: en ellas el protagonista viaja al final de la noche junto a Drexler, Calamaro y algunos amigos, en una serie de secuencias al estilo Jim Jarmush.

Los videos triangulan Montevideo, Buenos Aires y Madrid, porque donde acaba el clip de ‘Nominao’ con Drexler, empieza “Hong Kong” con Calamaro. Las secuencias con el uruguayo muestran horarios elásticos, iluminación de after, compadreo de altas horas, intercambios musicales sin normas todo ello rodado en el Palermo, un bar rockero de Madrid, mientras que El Salmón se acompaña con madrugadas químicas, versos y palabras casuales en un montacargas, charlas empapadas de alcohol, rock en terrazas.

De los clips toman parte, además, las actrices españoles Paz de la Huerta y Julia de Castro.

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